tag:blogger.com,1999:blog-37321445106351802632024-02-19T11:36:40.772+01:00Artium ResÁlvaro Sánchezhttp://www.blogger.com/profile/01964966623992339429noreply@blogger.comBlogger16125tag:blogger.com,1999:blog-3732144510635180263.post-21719313487811365222011-10-29T00:51:00.006+02:002011-11-06T19:21:55.807+01:00Felix Mendelssohn<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><b><br /></b></p><img src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhMZQpDVqy-C4Aj6oDjhh7mzNekeK2vWLGC3iFLNnZ1DfIIVCHt6hKO0AP21pGDkvh3E5jiEoHIeAxTcyQLqV3mh5zAM56rYgtR1hmSQLq2T7rFWYpoGfN8KQU1kUngd5IzSOEmMY3Y9IbQ/s320/mendel.jpg" border="0" alt="" id="BLOGGER_PHOTO_ID_5668681891045056914" style="text-align: justify; float: left; margin-top: 0px; margin-right: 10px; margin-bottom: 10px; margin-left: 0px; cursor: pointer; width: 224px; height: 320px; " /><div></div><div><div style="text-align: center;"><b> Felix Mendelssohn: “Un romántico que se sintió a gusto dentro del molde del clasicismo”.</b></div><p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"> Mendelssohn (1809-47), uno de los músicos más talentosos y brillantes de Alemania, preservó los ideales clásicos de armonía y forma. Los amantes de la música más conservadora lo admiraron simplemente por su encanto, destreza e imaginación pictórica, mas especialmente<span> </span>en las formales salas de espera victorianas.</p><p class="MsoNormal" style="text-align:justify"><o:p></o:p></p></div><div><span class="Apple-style-span">De familia rica y culta, recibió la mejor educación privada que existía. Su formación<span style="text-align: justify; "> </span><span class="Apple-style-span" style="text-align: justify; ">musical fue tan minuciosa que incluso se contrataron orquestas solo para probar sus composiciones. Felix mostraba talento como</span><br /></span><p class="MsoNormal" style="text-align:justify"> violinista, pianista, organista, compositor y director igual que en bellas artes y poesía; de adolescente fue el protegido de Goethe. Fue uno de los primeros músicos con pleno conocimiento de la historia de la música, y a los veinte años y</p><p class="MsoNormal" style="text-align:justify"><br /></p><div style="text-align: justify;">Con tan solo seis años, ya se le veía familiaridad con Mozart, era otro niño prodigio. Ya tocaba el piano a la perfección y componía. En 1817, el maestro y compositor Carl Friederich Zelter se encargará de su educación musical. A los dieciséis años ya habdespués cuando compondría accidentalmente la famosa marcha nupcial incluida en la obra.<span> </span><span> </span>Este mismo año, asiste a un prestigioso curso de estética de Hegel.</div><p class="MsoNormal" style="text-align:justify"><o:p></o:p></p> <p class="MsoNormal" style="text-align:justify"><span class="Apple-style-span">El 11 de Marzo de 1829, interpreta en Berlín “La pasión según San Mateo” d</span></p><div><span class="Apple-style-span">e Bach. Era la primera vez que se interpretaba desde la muerte del autor en 1750. <span class="apple-style-span"><span style="line-height: 115%; color: black; background-image: initial; background-attachment: initial; background-origin: initial; background-clip: initial; background-color: white; background-position: initial initial; background-repeat: initial initial; ">El éxito de esta representación fue un elemento i</span></span></span>ía compuesto conciertos, duetos y un par de óperas. En 1821, Zelter le lleva a conocer a Goethe, un joven Félix escribe a su madre descibiendo sus sensaciones:</div><p class="MsoNormal" style="text-align:justify"> <span></span>“<span class="apple-style-span"><span style="font-size: 9pt; line-height: 13px; font-family: Arial, sans-serif; color: black; background-image: initial; background-attachment: initial; background-origin: initial; background-clip: initial; background-color: rgb(249, 249, 249); background-position: initial initial; background-repeat: initial initial; ">No me sorprende que la figura del anciano caballero resulte imponente, Goethe no es mucho más alto que papá, pero su aspecto, su lenguaje y su nombre son imponentes. Su pelo no es del todo blanco, su paso es firme y sus maneras suaves, pero la fuerza de su voz es maravillosa y puede gritar como diez mil guerreros.</span>” </span></p><p class="MsoNormal" style="text-align:justify"><span class="apple-style-span">Por el lado de Goethe serán todo elogíos y comparaciones con Mozart para Mendelssohn. D</span>irigió “La Pasión según San Mateo” de Bach, esto fue tal acontecimiento que llevo a la recuperación de la música de Bach en el siglo XIX en Europa. Su amor por lo británico lo llevo a realizar diez extensas visitas a Inglaterra y Escocia, tras los cuales volvió a Düsseldorf para ocupar un puesto de director, y luego a Leipzig, donde dirigió la orquesta de la Gewandhaus. Allí estableció el concepto ahora universal de la programación, tanto de los trabajos históricos como modernos.</p><div style="text-align: justify; "><o:p></o:p></div><p class="MsoNormal" style="text-align: justify; ">En 1826, compone la obertura de “sueño de una noche de verano” basada en una obra homónima de William Shakespeare, pero no sería hasta dieciséis años <span class="Apple-style-span"><span class="apple-style-span"><span style="line-height: 115%; color: black; background-image: initial; background-attachment: initial; background-origin: initial; background-clip: initial; background-color: white; background-position: initial initial; background-repeat: initial initial; ">mportante en el redescubrimiento de Bach para el gran público en Alemania y, más tarde, en toda Europa, ya que por aquella época predominaba la música de</span> Haydn, Mozart, Weber, Rossini, Gluck, Handel…. </span>Com</span></p><div>o Mendelssohn recordaría más tarde “fue un judío el que devolvió esta gran obra cristiana al pueblo” (la familia Mendelsshon se convierte al Cristianismo en 1816). Pasó tres años de viajes y conciertos.</div><p class="MsoNormal" style="text-align:justify"><o:p></o:p></p><p class="MsoNormal" style="text-align: justify; "><img src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhGqn76FNWzz9UfESAN3k7QlJe8Cg9lm9OmTkX0rqgR1K_Cok6uuwIdjdPyi3V64fktecBHB0euZIUMbCYRluQARh-I5k23D4-zm4v2ynGROsAVyRohhXttzFF_e3MCcoNzE7ElnP5L-Leg/s200/mujer.jpg" border="0" alt="" id="BLOGGER_PHOTO_ID_5668682601528555890" style="float: right; margin-top: 0px; margin-right: 0px; margin-bottom: 10px; margin-left: 10px; cursor: pointer; width: 147px; height: 200px; " /></p><div></div> <p class="MsoNormal" style="text-align:justify">En Marzo de 1837, contrae matrimonio con Cécile Jeanrenaud, hija de un protestante francés, diez años menos que él. En 1838, su amigo Robert Schumann descubre el manuscrito oculto de “la novena sinfonía: La Grande” de Schubert y se lo envía rápidamente a Mendelssohn, este emocionado lo estrenará por primera vez en la historia de la música el 21 de ma</p><p class="MsoNormal" style="text-align: justify; ">rzo de 1839 en Leipzig, más de diez años después de la muerte del autor de la obra.</p><p class="MsoNormal" style="text-align:justify"><o:p></o:p></p> <p class="MsoNormal" style="text-align:justify">En 1846 realizó su último viaje a Londres, allí fue invitado a Buckingham a tocar ante la reina Victoria y el Príncipe Alberto, donde interpretó por primera vez “Elias”.<o:p></o:p></p> <p class="MsoNormal" style="text-align:justify">Tras la muerte de su hermana Fanny en mayo de 1847, también pianista y compositora de gran talento, Felix padeció una serie de infartos y murió a la corta edad de treinta y ocho años el cuatro de noviembre de ese mismo año..<o:p></o:p></p> <p class="MsoNormal" style="text-align:justify">Su estilo no encaja demasiado con la demás música del romanticismo, y se le podr</p><div>ía incluso hasta considerar neoclásico en muchos aspectos. Tomó de Bach la técnica de la fuga; de Mozart, las texturas y la claridad, y de Beethoven,<span> </span>la orquestación. Hacia mediados de su adolescencia, su estilo, como demuestra la obertura de <span> </span>su “Sueño para una noche de verano” se había consolidado. Al contrario que sus contemporáneos radicales, usaba formas asentadas y las adaptaba respetando sus principios subyacentes.<span> </span>Su dan melódico natural, ni sensual ni extravagante, siempre estaba emparejado con los más<span> </span>elevados niveles de artesanía. Su música se descubre específicamente romántica en el uso de estímulos extramusicales. La Inspiración literaria, artística y geográfica, sacó a relucir lo mejor de su imaginación pictórica, y su imaginería, mas descriptiva que psicológica, dice mucho de la excelencia de su trabajo.</div><p class="MsoNormal" style="text-align:justify"><o:p></o:p></p> <p class="MsoNormal" style="text-align:justify"><o:p> </o:p></p> <p class="MsoNormal" style="text-align:justify"><b><u><span style="font-size:12.0pt;line-height:115%">Obras Más importantes:<o:p></o:p></span></u></b></p> <p class="MsoNormal" style="text-align:justify"><b>“Lieder Ohne Worte”.</b><o:p></o:p></p> <p class="MsoNormal" style="text-align:justify">Significa canciones sin palabras. Es una obra solo para piano. Son ocho ciclos de seis piezas. Se interpretaba tanto<span> </span>en las antesalas de los salones de conciertos, que casi todos los aficionados tocaban estas elegantes canciones, lo que incrementó la popularidad de Mendelssohn en Inglaterra.<o:p></o:p></p> <p class="MsoNormal" style="text-align:justify"><span lang="EN-US">Enlace:<o:p></o:p></span></p> <p class="MsoNormal" style="text-align:justify"><span lang="EN-US"><span> </span></span><a href="http://www.youtube.com/watch?v=wR3t6vJOMe0"><span lang="EN-US">http://www.yout</span></a></p><div><a href="http://www.youtube.com/watch?v=wR3t6vJOMe0"><span lang="EN-US">ube.com/watch?v=wR3t6vJOMe0</span></a></div> <p class="MsoNormal" style="text-align:justify"><span lang="EN-US"><o:p> </o:p></span></p> <p class="MsoNormal" style="text-align:justify"><b>“Sinfonía Escocesa. OP. 56”.</b><o:p></o:p></p> <p class="MsoNormal" style="text-align:justify">Es una de sus últimas sinfonías, la escribió trece años después de su primer viaje a Escocia, en 1829, que también fue fuente de inspiración<span> </span>para la obertura de “Las Hébridas” o “”Gruta de Fingal”. Es concretamente la tercera sinfonía. El tema del scherzo es semejante a las melodías populares escocesas; las posteriores alusiones a las tierras altas son subjetivas. <o:p></o:p></p> <p class="MsoNormal" style="text-align:justify"><span lang="EN-US">Enlaces: <o:p></o:p></span></p> <p class="MsoNormal" style="text-align:justify"><a href="http://www.youtube.com/watch?v=Qp9yaE0xJRU"><span lang="EN-US">http://www.youtube.com/watch?v=Qp9yaE0xJRU</span></a><o:p></o:p></p> <p class="MsoNormal" style="text-align:justify"><a href="http://www.youtube.com/watch?v=reHYZzNCl4w">http://www.youtube.com/watch?v=reHYZzNCl4w</a><o:p></o:p></p> <p class="MsoNormal" style="text-align:justify"><o:p> </o:p></p> <p class="MsoNormal" style="text-align:justify"><b>“Concierto para Violín, Op 64”.</b><o:p></o:p></p> <p class="MsoNormal" style="text-align:justify">Este concierto es mi menos fue su última obra orquestal, y el último de sus tres conciertos para violín. El compositor estaba demasiado enfermo como para dirigir a su amigo Ferdinand David en el estreno, y fue sustituido por el<span> </span>compositor danés <span> </span>Niels Gade. La obra era innovadora en muchos sentidos, y los tres movimientos de la pieza se tocan sin interrupción.<o:p></o:p></p> <p class="MsoNormal" style="text-align:justify">El primer movimiento se burla de las convenciones.<span> </span>El violín presentaba la memorable obertura antes que la orquesta. Este movimiento influyó en la mayoría de los compositores que le precedieron. Desplazó la cadencia del final del movimiento, probablemente</p><div> para reducir la tensión antes de la entrada enlazada del segundo movimiento, acompañada de un fagot.</div><p class="MsoNormal" style="text-align:justify"><o:p></o:p></p> <p class="MsoNormal" style="text-align:justify">El segundo movimiento es una sencilla canción sin palabras, con una sección central mas agitada. Este movimiento lento permite que el solista no tenga nada que lo esconda salvo su propio tono, su entonación y su imaginación musical.<o:p></o:p></p> <p class="MsoNormal" style="text-align:justify">El tercer movimiento se abre con su propia fanfarria y se cumplen, con virtuosismo, todas las expectativas mendelssohnianas de una fantasía ligera y delicada.<o:p></o:p></p> <p class="MsoNormal" style="text-align:justify">Enlace:<o:p></o:p></p> <p class="MsoNormal" style="text-align:justify"><a href="http://www.youtube.com/watch?v=Se6XqX6_C1E">http://www.youtube.com/watch?v=Se6XqX6_C1E</a><o:p></o:p></p> <p class="MsoNormal" style="text-align:justify"><o:p> </o:p></p> <p class="MsoNormal" style="text-align:justify"><b>“Sueño de una noche de verano, OP 21, 61”</b><o:p></o:p></p> <p class="MsoNormal" style="text-align:justify">Es su gran obra, la más popular. <span> </span>La obertura y la música incidental provienen<span> </span>provienen de diferentes puntos de la vida de Mendelssohn, pero convergen mucho en el uso del material musical.<o:p></o:p></p> <p class="MsoNormal" style="text-align:justify">La obertura, escrita a los diecisiete años para un dueto de piano, como pre</p><div style="text-align: justify;">coz respuesta a la obra mágica de Shakespeare, fue orquestada un año desp</div><div><span class="Apple-style-span" style="color: rgb(0, 0, 238); -webkit-text-decorations-in-effect: underline; "><img src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhtjtjZ69QeBDGUbLLO4_Qe7_FCEwvGuuc_6H6bhsw-zEbXfff5esY0Il6hZWCLwA_T-1cpWFgGvcenVKQnlga8a9zoNielGpBn3UbsIrqvC5Igkjg6haVIuEzbI1w6Rgc4XDVvQ__xCk-H/s320/victoria.jpg" border="0" alt="" id="BLOGGER_PHOTO_ID_5668683911285940658" style="text-align: justify;float: right; margin-top: 0px; margin-right: 0px; margin-bottom: 10px; margin-left: 10px; cursor: pointer; width: 245px; height: 320px; " /></span></div><div style="text-align: justify;">ués para una actuación p</div><div style="text-align: justify;">ública. Representa la procesión de Oberón y Titania, y después el escurridizo mundo de las hadas. Una conmovedora melodía describe a los amantes, mientras que una danza rústica para los tramoyistas se ve interrumpida por los frecuentes rebuznos de un burro.</div><p class="MsoNormal" style="text-align:justify"><o:p></o:p></p> <p class="MsoNormal" style="text-align:justify">La música de escena, es encargada por el rey de Prusia en 1842, cuatro de las ocho piezas fueron concebidas como entreactos, de estas, la más famosas es la fugaz “Sche</p><div style="text-align: justify;">rzo de las hadas”. También había dos canciones “Tú vistes serpientes” y “Pasen rayos de luz a través de esta casa…”, para soprano, mezzo y coro. Finalmente la marcha nupcial vio la luz aquí.<span> </span>Se tocó por primera vez en una <span> </span>boda en la de la princesa real de Gran Bretaña <span> </span>Victoria de Sajonia (Hija de la reina Victoria) y Federico III de Alemania en 1858. Victoria de Sajonia (Foto) era una gran fan de Mendelssohn. Esta boda popularizó la marcha nupcial en las bodas anglicanas y protestantes</div><p class="MsoNormal" style="text-align:justify"><o:p></o:p></p> <p class="MsoNormal" style="text-align:justify">Obertura: <a href="http://www.youtube.com/watch?v=SUDvZaMl4RU">http://www.youtube.com/watch?v=SUDvZaMl4RU</a><o:p></o:p></p><div><span class="Apple-style-span"><br /></span></div> <p class="MsoNormal" style="text-align:justify">Marcha Nupcial: <a href="http://www.youtube.com/watch?v=ccLBjOvP3yk">http://www.youtube.com/watch?v=ccLBjOvP3yk</a><o:p></o:p></p></div>Álvaro Sánchezhttp://www.blogger.com/profile/01964966623992339429noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-3732144510635180263.post-57185606222856528232010-09-03T20:53:00.024+02:002011-11-06T19:20:52.565+01:00Los Prerrafaelitas V: Edward Burne-Jones<div style="text-align: justify;">Sir Edward Coley Burne-Jones nace en Birminghan el 28 de agosto de 1833, hijo de Edward Richard Jones y de Elizabeth Coley. La felicidad de su nacimiento duró poco</div><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjW7Jmg7BczQLNUGzHE5i5qafWwL6bVay2pbsXhplwb27QjHuDYcG0MHfE5T_HYLpHboYFqkSzVTxVy32xCToa4Q2jYTjqT5JIPgikK04NATbiBZMjzYVZFoh_n7CfeVKB4D7UMQNDIyCK4/s1600/burne+jones.jpg" onblur="try {parent.deselectBloggerImageGracefully();} catch(e) {}"><img style="text-align: justify;margin-top: 0pt; margin-right: 0pt; margin-bottom: 10px; margin-left: 10px; float: right; cursor: pointer; width: 261px; height: 347px; " src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjW7Jmg7BczQLNUGzHE5i5qafWwL6bVay2pbsXhplwb27QjHuDYcG0MHfE5T_HYLpHboYFqkSzVTxVy32xCToa4Q2jYTjqT5JIPgikK04NATbiBZMjzYVZFoh_n7CfeVKB4D7UMQNDIyCK4/s320/burne+jones.jpg" alt="" id="BLOGGER_PHOTO_ID_5512748863789818002" border="0" /></a><div style="text-align: justify;">ya que su madre murió a los seis días de nacer y se quedó sólo con su padre, que fué quien le crió junto a a la desagrada</div><div style="text-align: justify;">Un año mas tarde de conocer a Georgina, en 1853, entra en el Exeter College de Oxford, aquí entra en contacto con un personaje clave para su vida, William Morris, convirtiendose ambos en amigos inseparables. Descubre el mundo olvidado de la literatura , la historia y el arte medieval y queda embelesado por todo lo que descubre. Morris le incita a que lea en 1853 "Pintores modernos" de Jhon Ruskin, es en este momento de su vida donde conoce la existencia de los prerrafaelitas y en especial a uno; Dante Gabriele Rossetti. Conocerá a Rossetti y entablaran amistad, este le animará a que deje Oxford y se dedique a la pintura. En los primeros meses dedicados a si creación artística diseña sobre todo vidrieras con temáticas medievales ble ama de llaves de la casa familiar. Con la temprana edad de 11 años entra a estudiar en el King Edward's School, en su cuidad natal, Birminghan, escuela aclamada y famosa por su dura disciplina y severidad a la hora de impartir las clases. Es aquí donde empieza a apasionarse por el dibujo y los asuntos artísticos. Harry Macdonald, un compañero del colegio le invitará a su casa en 1952 y ahí conocerá a la hermana de este, Georgina, que se convertirá en su esposa en 1860.</div><div style="text-align: justify;">El 19 de junio de 1860, Edward Bourne - Jones contrae matrimonio con Georgina Macdonald. Fruto de este matrimonio nacerán dos vástagos, Philip, que nace en 1861 y Margaret que nace en 1866. una hermana de Georgina, Alice, se había casado con John Lock-Wood Kipling, y en 1856 habían tenido un hijo, el futuro escritor Ruyard Kipling.<br />En 1864, Bourne - Jones entra en la aclamada sociedad Old Water Color Society, donde regularmente da a conocer sus trabajos. Todo esto hará que sus condiciones económicas crecan y su vida vaya siendo más confortable. Reside dos años en Italia (1871 - 1873), aquí entra en contacto con los grandes maestros del renacimiento de las escuelas veneciana, florentina y romana. Esto le permite completar su formación técnica al igual que le incorpora a siu registro nuevos temas y personajes.</div><div style="text-align: justify;">1877 se considera un año clave para la vida artística de Bourne - Jones, ya que aceptó participar en la Grosvenor Gallery junto a Alma - Tadema, Millais, Leighton y Whistler. Pero nuestro querido Bourne-Jones fue el mas destacado en la muestra, y sus obras fueron elegidas para exponerse en la exposición universal de París de 1878. en la decada de los 80 fue considerado el mas grande artista britanico vivo. En los últimos años de su existencia, Bourne-Jones pintó obras de grandioso tamaño, como por ejemplo "el último sueño de Arturo en Avalon" de 7'5 metros de altura o el increible "Ciclo de Perseo". En 1894 fue nombrado caballero de reino de Inglaterra. Bourne-Jones murió en Fulham el 17 de junio de 1898. Seis días después de su muerte por petición del Príncipe de Gales se celebran funerales en su honor en la Abadía de Westminster, siendo el primero artísta de la historia en recibir tales honores.</div><div style="text-align: justify;"><br /></div><span style="font-weight: bold;"><div style="text-align: justify;"><span>"Astrología"</span><span class="Apple-style-span" style="font-weight: normal; "> 1863-1864.</span></div></span><div><br /><div style="text-align: justify;"><div style="text-align: justify;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjPiRamksq9jwz9LqR-V9mpw1qh_MWYxBGeiWm4oOvjCIznFZ68F_ifY_yAEZSkLynSmwCzob0RSgdJ8HKQMINom5iz0YJKjw97bPqWF5OBZmEGBGrx4FyKL61Hl8hTe-oq_1VszXD33civ/s1600/2075564568_de157a4b07.jpg" onblur="try {parent.deselectBloggerImageGracefully();} catch(e) {}"><img style="margin: 0pt 10px 10px 0pt; float: left; cursor: pointer; width: 366px; height: 416px;" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjPiRamksq9jwz9LqR-V9mpw1qh_MWYxBGeiWm4oOvjCIznFZ68F_ifY_yAEZSkLynSmwCzob0RSgdJ8HKQMINom5iz0YJKjw97bPqWF5OBZmEGBGrx4FyKL61Hl8hTe-oq_1VszXD33civ/s400/2075564568_de157a4b07.jpg" alt="" id="BLOGGER_PHOTO_ID_5512761814871454178" border="0" /></a></div><div>Esta magnífica alegoría a la astrología la realizó entre los años 1863 y 1864 ( actualmente se encuentra en una colección privada). El Gouche fue expuesto con éxito en 1865 en la Old Water Color Society, que había acogido al Edward como miembro el año anterior. Mas adelante se expuso también en la New Gallery, en el año 1862 y otra vez en el </div><div>año 1898, en ambas ocasiones las críticas fueron excelentes por sus magníficos y bien realizados efectos lumínicos y las magnífica transparencia de los colores.</div><div>La alegoría llevan en sus manos una esfera, la presencia de esta permite demostrar la habilidad del artistan en la representación de la transparencia y de la profundidad. Bourne-jones utilizó este motivo,<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEikDMtdsvkgOzHThLWrRWxTnRCdHoasaDvkQ285QDbTBLcAHCEuw_JQdlBqMUZLawmR51qgiD27O62CVRSwlIrqmkh3XDi_t4Q-_2c9_f4d2bQ1zdg6Zq2i9WbIK9z832i1pw3utslTEc4B/s1600/BaronneDeslandes_BJ.jpg" onblur="try {parent.deselectBloggerImageGracefully();} catch(e) {}"><img style="margin: 0pt 0pt 10px 10px; float: right; cursor: pointer; width: 150px; height: 320px;" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEikDMtdsvkgOzHThLWrRWxTnRCdHoasaDvkQ285QDbTBLcAHCEuw_JQdlBqMUZLawmR51qgiD27O62CVRSwlIrqmkh3XDi_t4Q-_2c9_f4d2bQ1zdg6Zq2i9WbIK9z832i1pw3utslTEc4B/s320/BaronneDeslandes_BJ.jpg" alt="" id="BLOGGER_PHOTO_ID_5512765090594729042" border="0" /></a> de gran cariño para el en otras de sus obras, como por ejemplo en la serie de acuarelas "Los días de la Creación" que fueron destinadas para servir de plantillas para las vidrieras de una Iglesia en Tamworth, en Stratdshire. en 1989 el artista introduce el mismo tema en el retrato de la Baronesa Deslandes.<br />Los símbolos esotéricos que se consiguen ver en el manuscrito antiguo que la joven tiene bajo sus brazos testimonian el interes de Bourne-jones</div><div> por la magia y el ocultismo. Además son un reminiscencia de los estudios de Literatura medieval que el artista siguió con pasión enuniversidad de Oxford. El amor por el arte y el culto al medievo fue su primera pasión juvenil, y guiará la inspiración artística de Edward toda su vida.<br />A la derecha Podemos ver un cuadro que se nombraban en la descripción de Astrología donde se muestra el cariño de Bourne-jones por la Iconografía de la mujer vella con una espera entre las manos. El retrato de la "Baronesa Deslandes" .<br /></div><div><br /></div><div style="text-align: justify;"><div><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjPiRamksq9jwz9LqR-V9mpw1qh_MWYxBGeiWm4oOvjCIznFZ68F_ifY_yAEZSkLynSmwCzob0RSgdJ8HKQMINom5iz0YJKjw97bPqWF5OBZmEGBGrx4FyKL61Hl8hTe-oq_1VszXD33civ/s1600/2075564568_de157a4b07.jpg" onblur="try {parent.deselectBloggerImageGracefully();} catch(e) {}"><img src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjG3FWU5Sm7YTT8FZvEKF6uPrAQY54KGQErI64VGMhaGD-j6deHgrt5FDkAQVd6Vptq2l_T0xUN-OtET_LXUaQ_lHLaTGfFxhQt4qNFzduWxCFYDbyqXk1A_upcrS6dlYcNLFEv5kfDV4R9/s320/DSC09438.JPG" border="0" alt="" id="BLOGGER_PHOTO_ID_5671935644937395874" style="text-align: justify;color: rgb(0, 0, 0); float: left; margin-top: 0px; margin-right: 10px; margin-bottom: 10px; margin-left: 0px; cursor: pointer; width: 320px; height: 240px; " /></a><div style="text-align: left;"><b style="text-align: justify; ">"Loa a Venus"</b> 1868.</div></div></div></div><div style="text-align: justify;">Este himno al poder del auténtico amor, por el que el pintor se sintió siempre subyugado, se inspiró en la leyenda germana de Tannhäuser, el poeta y el caballero</div><div style="text-align: justify;"> errante que había descubierto el reino secreto de venus. Se pone de manifiesto el interés incansable del prerrafaelismo y sus simpatizantes por las leyendas de la Edad Media Europea. Estilísticamente hablando el artista escoge colores muy intensos para la obra.</div><div style="text-align: justify;"><br /></div><div style="text-align: justify;"><span class="Apple-style-span"><u><br /></u></span></div><div style="text-align: justify;"><div style="text-align: left; "><div style="text-align: justify; "><br /></div><div style="text-align: justify;"><br /></div></div></div><div style="text-align: justify;"><b><br /></b></div><div style="text-align: justify;"><b>"La escala de oro"</b> 1876-1880.</div><img src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiB1kK_yOAqhh4cl0Z9L8DmVztgCdOhIepob6fJlZ3uGqpJdx7FB51CSLz-7oKLyCM7i36NET3iEOFxwEbpzYc3m3FpFAsd3lnXb37BTyrBwUTxCdNanOHHSevHqkP563zp_rmn8Ad2AbLt/s400/DSC09438.JPG" border="0" alt="" id="BLOGGER_PHOTO_ID_5671936909884374514" style="text-align: justify; float: right; margin-top: 0px; margin-right: 0px; margin-bottom: 10px; margin-left: 10px; cursor: pointer; width: 168px; height: 400px; " /><div style="text-align: justify;">la realización de esta magnífica y gran tela (277x117 cm) le llevó muchos años; el arti</div><div style="text-align: justify;">sta completó el dibujo en 1872, pero comenzó la pintura en 1876 terminándola cuatro años después cuando fue expuesta en la</div><div style="text-align: justify; "><div> Grosvenor Gallery.</div></div><div style="text-align: justify;">Muchas composiciones de Burne - Jones se nutren de su amplia cultura literaria, y traducen los textos narrativos en forma pictórica. En esta caso, en cambio, predominan los elementos decorativos abstractos y formales, tanto, que el cuadro recibe también otros títulos. En su reseña del 8 de mayo de 1880 en la revista "Atheneum", el crítico de arte Stephens apun</div><div style="text-align: justify;">taba que "no se sabe de donde viene, ya que pasan delante nuestro, ni dónde van ni quiénes s</div><div style="text-align: justify; "><div>on".</div></div><div style="text-align: justify;">Una famosa modelo italiana, Antonia Caiva, posó desnuda para todos los cuerpos de la tela. Los rostros de las dieciocho muchchas son por el contrario elegidos entre las amigs y</div><div style="text-align: justify;"> familiares del Burne - Jones. Se reconoce a su hija, Margaret, a la actriz Edith Gellibrand, a Laura Littleton, a May Marris, hija de William, y a Frances Graham, hija de uno de los mecenas.</div><div><div style="text-align: justify;">En esta pintura, el artista, de nuevo vuelve a manifestar su amor por la música. Desde el punto de vista estilístico no utilizó colores intensos, como había hecho por ejemplo en la "Loa a Venus", sino que se sirvió de una gama ilimitada de</div><div style="text-align: justify;"> colores, casi monocromada. La atención del Espectador se centra así en el dibujo y en los pliegues de los vestidos (que nos recuerdan a los vestidos de Fidias en la antigua Grecia) y en la atrevida arquitectura de la escalera<br /><br />.</div></div><div style="text-align: justify;">una demostración del enorme éxito que obtuvo la pintura de Burne - Jones y que se conserva en la Tate Gallery de Londres la prueba una copia de la pintura, que Barrington realizó en torno a 1890 para Lord Lloyd-Webber.</div><div style="text-align: justify;"><br /></div><div style="text-align: justify;"><br /></div><div style="text-align: justify;"><div><div><img src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEje0aJdaa2NueOcWU7aBj0eN5v_gtCWKggzrO51oGTFC-q4uSyTajCScomv49G-DcjQw_owBiH52qzGxNITDNtWsLRsf-_Wasggo4T2YdS7pidW8KrZuBFdACs3mItd5cacXM3Pv29MbItg/s400/38448.jpg" border="0" alt="" id="BLOGGER_PHOTO_ID_5671941914877950338" style="text-align: left; float: left; margin-top: 0px; margin-right: 10px; margin-bottom: 10px; margin-left: 0px; cursor: pointer; width: 400px; height: 259px; " /></div></div><div><b>"El amor entre las ruinas"</b> 1894.</div><div><br /></div><div>Burne Jones realizó antes de este lienzo un Gouache con este tema, entre 1870 y 1873, después en 1894, llevó a cabo la pintura al óleo, para la que posaron María Zambaco y Gaetano Meo.</div><div>El encuentro con Frederick George Watts en 1858, y los viajes a Italia, contribuyeron a formar el clasicismo de Burne-Jones. Mientras el resto de prerrafaelitas seguían pintando temas medievales, el reelaboró, en clave original y personal, los elementos, clásicos, griegos y latinos, obteniendo resultados sorprendentemente moderno. Una muestra de ello es el relieve que vemos sobre la puerta en la parte izquierda del cuadro, y no solo el relieve toda la arquitectura en sí tiene fuertes caracteres clásicos.</div><div>Con este doble retrato, en la intensa y sufriente expresividad de los dos amantes, Burne-Jones alcanza uno de los mas altos niveles de expresión artística. La obra está invadida por una atmósfera de profunda y melancólica quietud, como si los dos jóvenes pudiesen escuchar el eco de una música lejana, evocada por el instrumento musical que el muchacho sostienes entre sus piernas.</div><div><br /></div></div></div>Álvaro Sánchezhttp://www.blogger.com/profile/01964966623992339429noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-3732144510635180263.post-66921891364455616952009-01-30T06:22:00.031+01:002009-01-30T16:30:50.916+01:00La Balsa de la Medusa (Théodore Géricault, 1819)<div align="justify"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjZ8N-5Y3fEVblkD-mjwlU8kchNfDfsVRMnlKohQ9_VFkEGl8wKIA_uliwpz7INGPfaUL9Wuf79_9q-ry7zjiuf8AqfIE5rQPxsGimdz40bek8dr5pcELO7w4TPq9J7LCkA0pTAkyskCnBX/s1600-h/monumento+a+guericault.jpg"><img id="BLOGGER_PHOTO_ID_5296962469622274610" style="FLOAT: left; MARGIN: 0px 10px 10px 0px; WIDTH: 400px; CURSOR: hand; HEIGHT: 300px" alt="" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjZ8N-5Y3fEVblkD-mjwlU8kchNfDfsVRMnlKohQ9_VFkEGl8wKIA_uliwpz7INGPfaUL9Wuf79_9q-ry7zjiuf8AqfIE5rQPxsGimdz40bek8dr5pcELO7w4TPq9J7LCkA0pTAkyskCnBX/s400/monumento+a+guericault.jpg" border="0" /></a> Jean-Louis André Théodore Géricault nació en la francesa ciudad de Ruan en septiembre de 1791. Se dedicó en cuerpo y alma al arte de la pintura, ayudando así, a definir el movimiento romántico pictórico francés.<br /></div><div align="justify"><br /></div><div align="justify">En 1811 entra a estudiar en Escuela de Bellas Artes de París, pronto se dio cuenta de que su pasión por lo excesivo, y la pincelada empastada, lo que revelaba un marcado temperamento. Su primer éxito vendrá al año siguiente en el salón de París con la obra "Oficial de cazadores a la carga". Este estilo inicial académico irá desapareciendo, tornándose así en un estilo cláramente romántico. La proyección de Géricault se limitó solamente a doce escasos años, pero fue tiempo suficiente para djar una cantidad considerable de ob<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEh0-fBjVkvF-Q2Qszc8zlgy0xQD_CqsHTtj6Kk2JpxUBBxB6CfZiHbxI6WTPfKZpXp_QAOCFrqvfpvfmnnLQCm5bAuVImKnv73RJQNxRI4v4IQjFwmJJjy7vWOx8yfU4YUaual-XF4eKLyS/s1600-h/gericault.jpg"><img id="BLOGGER_PHOTO_ID_5297103916141608962" style="FLOAT: right; MARGIN: 0px 0px 10px 10px; WIDTH: 148px; CURSOR: hand; HEIGHT: 200px" alt="" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEh0-fBjVkvF-Q2Qszc8zlgy0xQD_CqsHTtj6Kk2JpxUBBxB6CfZiHbxI6WTPfKZpXp_QAOCFrqvfpvfmnnLQCm5bAuVImKnv73RJQNxRI4v4IQjFwmJJjy7vWOx8yfU4YUaual-XF4eKLyS/s200/gericault.jpg" border="0" /></a>ras. Era un amante reconocido de la naturaleza y un apasionado por los caballos, lo que le dio a realizar cantidad de esbozos y cuadros de estos fantásticos animales, con una realidad y dinamismo que no han sido superados por prácticamente ningún otro pintor galo. . En 1814 su obra "Coracero herido " es terriblemente acogida por el público, lo que le sumirá en una profunda tristeza. Conseguirá salir de esta, pero volverá a recaer tras el próximo fracaso en el Gran Premio de Pintura de Roma. Para recuperar su integridad moral y artística (lo hizo así porque dejó embarazada a una tía suya y le dio miedo las consecuencias que pudiera tener este amor prohibido), en 1816 viaja a Roma en la mas estrícta soledad. Aquí queda atónito ante la pintura del renacimiento italiano, es especial con la obra del siempre único Miguel Ángel. Y tras un minucioso estudio de la historia del arte italiana también se prenda de la pintura de Rubens y Caravaggio. Géricault rechaza la escuela pictórica de Jaques - Louis David ya que esta significa un Neoclasicismo académico. El prefiere ensalzar épicamente asuntos de la vida cotidiana. Estilísticamente se vio influido por los estudios de la antigüedad desarrollados en el siglo XIX y por los maestros de los siglos XVII y XVIII. Entre 1818 y 1819 pinta " "Carro de soldados heridos" al igual que pinta una de sus obras insignia " la Balsa de la Medusa", en la cual ahondaremos mas adelante. En 1820 Géricault va a Londres. Allí entra en contacto con Cobstable, cuya pintura causa un gran impacto dobre el artísta al igual que la pintura de caballos de Stubbs. Lo trágico y el sufrimiento pasan a formar parte de su temática, lo que le eleva a los altares del romanticismo, tal será su pasión por el sufrimiento, muerte y locura que, llegará a inspirarse como modelos de sus obras a pacientes de manicomio, un ejemplo de ello es el fantástico lienzo titulado "El Cleptómano" el "la mujer loca" ambos pintados entre los años 1822 y 1823.. Pero Géricault no sólo se conformó con ser un paradigma de el romanticismo, si no, que gracias a su lienzo "Derby en Epson", creado en sus últimos años de vida, creó un precedente hacia el impresionismo. El cáncer se llevó a este maestro de la pipntura un 26 de enero del año 1824, mientras residía en París.</div><div align="justify"><br /></div><div align="justify"></div><div align="justify"><br /></div><div align="justify">Una vez puestos en antecedentes sobre la vida del artísta, pasemos a analizar una de sus obras, para esta ocasión he elegido "La Barca de la Medusa"<br /></div><div align="justify"><br /></div><div align="justify"></div><img id="BLOGGER_PHOTO_ID_5297101852161138242" style="DISPLAY: block; MARGIN: 0px auto 10px; WIDTH: 400px; CURSOR: hand; HEIGHT: 271px; TEXT-ALIGN: center" alt="" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhxn8euw58U4bh2vlfA37LWIl2oKZC6npauJ3ct2U9_Lvs2MrAtze4qC-m8ouV0dBlGj_NNMwGymR6kSt6eFGtM6ZzEr6SuwLlrRYN0hcVjhBVeBX9HxKxw243VyfToKNIr1DrDmREgruKf/s400/Th%25C3%25A9odore_G%25C3%25A9ricault_-_Le_Rad.jpg" border="0" /> El dos de julio de 1816, la fragata Medusa perteneciente al ejército francés naufragó frente a la costa oriental africana de camino hacia la colonia francesa de St. Louis, actualmente Senegal. Al no haber suficientes botes salvavidas se improvisó una balsa en la que se instalaron 150 pasajeros, pero al poco la tripulación de los botes notó que era demasiada carga arrastrar la balsa para los pequeños bote, por lo que abandonaron a los 150 pasajeros de la balsa. Desde ese momento dependerían absolutamente de su suerte. Los náufragos navegaron a la deriva durante trece días, tiempo en el que sufrieron auténticas situaciones de locura, muerte y canibalismo. Cuando, finalmente, la barca fue encontrada por un navío francés, sólo quedaban 15 personas con vida, cinco de las cuales murieron tras el rescate. Las altas esferas ocultaron el suceso, pero, en otoño de 1817, los supervivientes publicaron el relato que provocó una oleada de repulsa hacia el ejército, por lo que fue censurado y juzgado el capitán de la Medusa.<br /><p align="justify">Géricault expuso Los náufragos de la Medusa en 1819. Un enorme lienzo pintado al óleo de 491x716cm que plasma el sufrimiento vivido por los pasajeros abandonados del barco francés. El cuadro fue receptor de multitud de críticas, muy duras algunas de ellas. Estilísticamente tiene un predominio del color sobre el dibujo, característica principal del romanticismo. Además, el autor muestra la escena con un realismo macabro, deteniéndose en la anatomía resaltada de los náufragos moribundos, para lo cual reunió decenas de cadáveres en su estudio para realizar análisis anatómicos; y componiendo las figuras a base de líneas serpenteantes y espirales, lo que imprime más dramatismo a la escena. La visión es completamente dantesca, pues la balsa está medio deshecha por el oleaje, los cuerpos de los muertos se ven putrefactos, mutilados, desperdigados... El pintor estuvo ocho meses rodeado de cadáveres y de una réplica de una balsa similar a la del suceso (creada por el autor de la original, superviviente del desastre) para poder empezar a realizar el cuadro. <a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEg8vEdkCM7ZXkqo3URSe2q7ke5hLysDXEodeqgotDTEbCIZzuT6hfl0LORh785Z2UD5uoFyiFoR7z9thIwNX6BHkCaRGLNrAj_M_BasJj-wh0KiJUEjgm_tqrf5kvc6g_n0gYkWIiYQwMS_/s1600-h/escorzo.jpg"><img id="BLOGGER_PHOTO_ID_5297106984414165314" style="FLOAT: right; MARGIN: 0px 0px 10px 10px; WIDTH: 129px; CURSOR: hand; HEIGHT: 400px" alt="" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEg8vEdkCM7ZXkqo3URSe2q7ke5hLysDXEodeqgotDTEbCIZzuT6hfl0LORh785Z2UD5uoFyiFoR7z9thIwNX6BHkCaRGLNrAj_M_BasJj-wh0KiJUEjgm_tqrf5kvc6g_n0gYkWIiYQwMS_/s400/escorzo.jpg" border="0" /></a><br />A pesar de que las figuras que Géricault diseñó estaban perfectamente modeladas y del magnífico claroscuro que utiliza, que recuerda al gran Caravaggio y que debió de resultar conocido al público gracias al neoclasicismo, las críticas populares no se focalizaron sobre el estilo de la obra, sino hacia su contenido. No se podía entender que Géricault no eligiera un tema clásico, heroico o edificante como mandaban los cánones académicos. Tampoco se comprendía el porqué de tratar el naufragio, puesto que se suponía que las representaciones de desastres debían evocar un destino humano universal, sin resultar demasiado concretas o personales, ni afectar el ánimo del espectador. En cambio, nuestro pintor se centró, impresionado y avergonzado, en un hecho real que implicaba un gravísimo error humano. Ante los ojos del espectador, solamente desfilan la galería de expresiones humanas que componen la obra, no hay nada que intermedie entre el observador y el acontecimiento representado. La combinación inquietante de figuras idealizadas y la agonía que plasma con extremado realismo, así como su gigantesco tamaño y la minuciosidad de los detalles, desataron una tormentosa controversia entre los artistas de tradición neoclásica y los que tenían una opinión diferente de los temas que debía tratar la p<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjOraRYqOn9cifdDHE5ST51ond7dAEJL_nnBPp0b9dq0Kmbs8ktBmrN9sNUPHdHpoOoIb-ggwECLiIAvDfXroXsDLKO_m6mbavjBrpB2VXd8-H5_c0TqREb1smVmH3nosUXoGSSyFYJrI8k/s1600-h/piramide.jpg"><img id="BLOGGER_PHOTO_ID_5297106409551646434" style="FLOAT: left; MARGIN: 0px 10px 10px 0px; WIDTH: 240px; CURSOR: hand; HEIGHT: 232px" alt="" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjOraRYqOn9cifdDHE5ST51ond7dAEJL_nnBPp0b9dq0Kmbs8ktBmrN9sNUPHdHpoOoIb-ggwECLiIAvDfXroXsDLKO_m6mbavjBrpB2VXd8-H5_c0TqREb1smVmH3nosUXoGSSyFYJrI8k/s320/piramide.jpg" border="0" /></a>intura.<br />Géricault rompió con todas las reglas temáticas del neoclasicismo en este cuadro, pero sí respetó las de la composición. Podemos observar la pirámide que forman las personas en la balsa (cuyas figuras evocan la forma de representarlas de Miguel Ángel) que está coronada por un hombre de color negro (que ondea una pieza de tela para llamar la atención de los barcos). Mediante esta composición se pretende dar solidez al cuadro, lo que contrasta con el caos del oleaje. La importancia del lugar que otorga al personaje negro puede estar en concordancia con la lucha por abolir la esclavitud que se acababa de iniciar. Por otro lado, el hombre que agita el trapo blanco muestra la esperanza por la salvación. A la izquierda del lienzo, un hombre de avanzada edad se cubre por un manto rojo dando la espalda al barco creando un punto de impacto visual hacia el cual se va la mirada rápidamente. Esta figura es antagónica a la anterior, ya que es símbolo de la desesperanza que impregna toda la escena plagada de cadáveres. Sin embargo, gracias a las diagonales en ascendente creadas en el cuadro a través de los brazos de los hombres, llegamos a la figura del hombre negro y la esperanza exaltada por la agitación del paño, haciéndonos recobrar las fuerzas por vivir, curioso y original recurso de Géricault. El barco que salvará a los náufragos no se averigua en el lienzo, pero sí los obstáculos, ya que unas grandes olas abaten la barca al tiempo que el viento sopla en contra, dejando a la suerte y el azar la salvación de los moribundos supervivientes. Es precio<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgVsr8i-6uvYISde1LcE6UwX5hjPpFytWXwsSxYHD37WF5gRGqf2dyTCYOg3u3nXYA1v8UdkVN-0Rk8AmHFQNuoiuFgFGFcf6SY2snx8T3MBZ_uq7uLTw3gkAOauPlLIMJWYNaISPiOrpST/s1600-h/hombre+rojo.jpg"><img id="BLOGGER_PHOTO_ID_5297107505409305394" style="FLOAT: right; MARGIN: 0px 0px 10px 10px; WIDTH: 215px; CURSOR: hand; HEIGHT: 198px" alt="" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgVsr8i-6uvYISde1LcE6UwX5hjPpFytWXwsSxYHD37WF5gRGqf2dyTCYOg3u3nXYA1v8UdkVN-0Rk8AmHFQNuoiuFgFGFcf6SY2snx8T3MBZ_uq7uLTw3gkAOauPlLIMJWYNaISPiOrpST/s400/hombre+rojo.jpg" border="0" /></a>so como Géricault plasma el viento en los personajes. Mientras el anciano con el llamativo manto rojo ha curvado su cuerpo a favor del viento, como sinónimo de rendición a la muerte, los jóvenes de la pirámide contonean su cuerpo en contra intentando salvarse del trágico destino. Podemos observar que la colocación de los personajes no es arbitraria, sino que en la parte inferior ha colocado a cadáveres y al anciano, y encima a los que buscan la salvación, contraponiendo en ese poco espacio los dos grandes temas de la muerte y la vida respectivamente. Como anécdota hemos de puntualizar que Eugéne Delacroix posó para su amigo y aparece como la figura muerta de primer plano que sostiene el anciano del manto rojo. A su vez, Delacroix le correspondió, retratando a Géricault como uno de los muertos en el infierno que cruza su Barca de Dante.<br /></p><br /><br /><br /><br /><div align="justify"></div><br /><br /><br /><br /><br /><br /><div align="justify"></div>Álvaro Sánchezhttp://www.blogger.com/profile/01964966623992339429noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-3732144510635180263.post-75228392802107150382008-02-29T17:30:00.018+01:002008-03-02T23:25:04.324+01:00Los Prerrafaelitas IV: Dante Gabriele Rossetti 1828<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiE8uJQcWw3K1I-t66Q9TrbGsI6Q8wh2lUvgesBM1TfkFIzGkiJIio0w8zApU5VwH7alYibA9y960vYCzR3e8IvcdL-ceiY3Td7OVb_7ynKV2flz3UwX7RuokftyL2Ktb4MC8mIEjf5YPL4/s1600-h/dante+gabrielle+rosseti.+el+mismo.jpg"><img id="BLOGGER_PHOTO_ID_5172452772904746178" style="margin: 0px 10px 10px 0px; float: left; width: 300px; height: 329px;" alt="" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiE8uJQcWw3K1I-t66Q9TrbGsI6Q8wh2lUvgesBM1TfkFIzGkiJIio0w8zApU5VwH7alYibA9y960vYCzR3e8IvcdL-ceiY3Td7OVb_7ynKV2flz3UwX7RuokftyL2Ktb4MC8mIEjf5YPL4/s400/dante+gabrielle+rosseti.+el+mismo.jpg" border="0" height="320" width="360" /></a><br /><div><div><div align="justify">Nace en Londres el 2 de mayo de 1828. su abuelo era italiano y había emigrado a Inglaterra en busca de trabajo. Sun padre, había sido libretista del gran Rossini, se había visto obligado a abandonar Nápoles por ideas políticas en 1824. En 1831 encontrará profesor de italiano en el King’s collage. La familia Rossetti era numerosa, Dante tenía un hermano y dos hermanas, una de las cuales será llamada a vestir los hábitos anglicanos. Ya desde joven se acercó al mundo literario, leía a los grandes, como Poe, Dante o Blake, que tomará como fuete en sus lienzos. Entra en la Sass’s Drawing Academy, y, después, en 1845 en la Antique School de la Royal Academy. En 1847 será alumno de Brown y poco mas tarde conocerá a Millais y a Hunt, con quienes fundó en 1848 la hermandad de los prerrafaelitas. Dejó la Hermandad Prerrafaelita en 1863, pero mantuvo su mismo estilo pictórico en obras posteriores. Su pintura influyó en el desarrollo del movimiento simbolista europeo. Hacia el final de su vida, Rossetti cayó en estado mórbido, oscurecido por su drogadicción y su creciente inestabilidad mental, posiblemente empeorada por su reacción a los salvajes ataques de la crítica sobre su poesía desenterrada (1869). Pasó sus últimos años retirado, como un recluso. Murió en Birchington-on-Sea, Kent, Inglaterra. </div><div align="justify"><br /><br /><strong>“La Adolescencia de María” <a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgdywIgDgAYRObLYVEcIUNghTs6FTtjTlfvjpUYR6wsys0eJhuKhymW4fsqwa1M24FOvJTMnYWCz2gDd-XU4Qqtjr3nP80ceyYahDV-_qfCSljOqlJvISyPVtlCN0UYcm1_d7JOYc_ScimM/s1600-h/dante+gabriele+rossetti..+la+adolescencia+de+mar%C3%ADa.jpg"><img id="BLOGGER_PHOTO_ID_5172452523796642994" style="margin: 0px 0px 10px 10px; float: right;" alt="" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgdywIgDgAYRObLYVEcIUNghTs6FTtjTlfvjpUYR6wsys0eJhuKhymW4fsqwa1M24FOvJTMnYWCz2gDd-XU4Qqtjr3nP80ceyYahDV-_qfCSljOqlJvISyPVtlCN0UYcm1_d7JOYc_ScimM/s400/dante+gabriele+rossetti..+la+adolescencia+de+mar%C3%ADa.jpg" border="0" /></a><br /></strong>Realiza esta obra entre 1848 y 1849 para exponerse en la Free Exhibition, en Londres. El lienzo fue comprado por la marquesa de Bath. Fue la primera obra en la que además de la obra aparecen las siglas P.R.B. la obra actualmente se encuentra en la Tate Gallery de Londres. La obra está claramente inspirada en los grandes pintores italianos. Los nombres de los personajes están escritos en los nimbos sobre sus cabezas. Rossetti explica el significado religioso de su obra en una carta que explica a su tío Charles Lyell. En un principio había pensado poner don ángeles, pero no fue así. El único ángel que coloca porta el lirio, como símbolo de pureza de la virgen y de su madre, santa ana, anunciando la virginidad de ambas. Los seis libros apilados en el suelo, indican las tres virtudes teologales (fe, esperanza y caridad) y las tres cardinales (prudencia, templanza y fortaleza. Falta la justicia). Para San Joaquín posó Old Williams, un servidor de la familia. La vid es un símbolo eucarístico, al igual que el enrejado en forma de cruz, y el paño rojo, alegoría de la muerte y pasión de cristo. En el alfeizar de la ventana, junto a el paño rojo encontramos una rosa y una aceitera, este es símbolo de María Magdalena, la discípula fiel de cristo y una de las mujeres que descubrieron el sepulcro vacío. En el suelo, observamos una palma, como símbolo del martirio que sufrió cristo. Observemos la minuciosidad de los detalles del cuadro. La realidad que da rossetti a la obra es espectacular. Si prescindiéramos del ángel podría tratarse de una escena cotidiana familiar. </div><div align="justify"><br /><br /><strong>“Ece Ancilla Domi<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjlMCQv4yBzHiSkLU3e2L30kY4MIqX85vPeoQnXEQfymwMD6kLSHhgaN1hb_In-sbrcRLDbC-eW54ZYQouiXAiNsq805LJQdD97T9oNZ4kqdKuKBk0xacUcHat6EcP_Im8KQszuEkbZgr4Q/s1600-h/dante-gabriel-rossetti.+Ecce+ancilla+domini..jpg"><img id="BLOGGER_PHOTO_ID_5172452257508670626" style="margin: 0px 10px 10px 0px; float: left;" alt="" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjlMCQv4yBzHiSkLU3e2L30kY4MIqX85vPeoQnXEQfymwMD6kLSHhgaN1hb_In-sbrcRLDbC-eW54ZYQouiXAiNsq805LJQdD97T9oNZ4kqdKuKBk0xacUcHat6EcP_Im8KQszuEkbZgr4Q/s400/dante-gabriel-rossetti.+Ecce+ancilla+domini..jpg" border="0" /></a>ni”</strong><br />En marzo de 1850 pinta esta obra., será expuesta en la Nacional institution Gallery. Había revelado ya a un amigo en esta ocasión el simbolismo de las siglas P.R.B. Actualmente se encuentra en la Tate Gallery de Londres. Estamos ante una interpretación de la anunciación de la virgen María es representada como una adolescente indiferente y atemorizada, pálida no tanto por candor espiritual cuanto por confusión, parece una muchacha enferma. Aparece vestida con un hábito o lo que recuerda a una bata de hospital. Esta espantada por la aparición del arcángel, un joven efebo mensajero que aparece de la nada con una túnica que acaba en llamas en los pies. El uso del cabello pelirrojo, señal de sensualidad para el decadentismo y el simbolismo. El arcángel la apunta con la vara de nardos que simboliza la virginidad como si la amenazara con un punzón, directamente al sexo.Su obra es intensamente mística y primitiva. El azul da una sensación gélida, inhumana, dando más irealismo a la obra. Observamos también que el paño que estaba bordando la virgen en el cuadro de su infancia, aparece aquí terminado.El purismo del dibujo, nexo de unión con otros artistas europeos del siglo XIX como Ingres u Overbeck, sirve de herramienta para el realismo. </div><br /><br /><div align="justify"><strong>“El saludo de beatrize (1859)” <a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhLgwy36rpZOr7qsxT1IZDAwTimtyVK30WjrQPcxJXmeKLVnyU_309gCBEqonyC9uHJfmkd5-hPHEZ0STsjMMVyHFKuG2uW672GHdpxMQLAc6GrTfX-x4sQyMb1BxZaSyvTZiGsc32fnF1n/s1600-h/dante+gabriele+rossetti.+el+saludo+de+beatrice.jpg"><img id="BLOGGER_PHOTO_ID_5172449835147115666" style="margin: 0px 0px 10px 10px; float: right;" alt="" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhLgwy36rpZOr7qsxT1IZDAwTimtyVK30WjrQPcxJXmeKLVnyU_309gCBEqonyC9uHJfmkd5-hPHEZ0STsjMMVyHFKuG2uW672GHdpxMQLAc6GrTfX-x4sQyMb1BxZaSyvTZiGsc32fnF1n/s400/dante+gabriele+rossetti.+el+saludo+de+beatrice.jpg" border="0" /></a><br /></strong>Rossetti nos cuenta la Historia personal del Poeta Dante. Dante cuenta a la edad de nueve años se enamora "a primera vista" de una niña a la que él llama Beatrice. Nueve años después, a los dieciocho, vuelve a cruzarse con ella. Ésta le saluda y el Amor abruma al pobre Dante. Beatriz está por encima de las pasiones humanas, pertenece a la esfera celeste ("mujer angelical"). Su mayor ilusión se convierte en ser saludado por ella al cruzarse por las calles de Florencia. Sin embargo, oculta cuidadosamente el amor que siente por ella cortejando a otra dama. Beatriz se entera y le niega el saludo. A la izquierda se ve el encuentro entre Dante y Beatrize, donde esta le niega el saludo; a la derecha el poeta reencuentra a su amada en el paraíso (ver El sueño de Dante mas abajo para entender el completo significado del cuadro). El ángel del centro lleva un reloj que marca las nueve, hora en la que murió Beatrize, arriba esta escrito el día: 9 de Junio de 1290.<br /><br /><br /><strong>“La amada”</strong> <a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEizbAUJCCbS_1Bqwfa5_G691diEa4JOUw6l9MP3qU27EF54AbSvBRXd7_XFbdW59iDM5emrhVG5JxBU7483zbIaxsqeppBMZh8faNjF0P3ty2_xLmsORZGFi52Xnc_Lj84UrM7oyU2RsK3c/s1600-h/dante+gabriele+rossetti.+la+amada.jpg"><img id="BLOGGER_PHOTO_ID_5172449272506399874" style="margin: 0px 10px 10px 0px; float: left;" alt="" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEizbAUJCCbS_1Bqwfa5_G691diEa4JOUw6l9MP3qU27EF54AbSvBRXd7_XFbdW59iDM5emrhVG5JxBU7483zbIaxsqeppBMZh8faNjF0P3ty2_xLmsORZGFi52Xnc_Lj84UrM7oyU2RsK3c/s400/dante+gabriele+rossetti.+la+amada.jpg" border="0" /></a><br />Esta obra fue encargada en 1865 a Rossetti por Georges Rae. Inicialmente se concibió para representar a Beatrice, mostrando así la pasión de Rossetti por la Divina Comedia de Dante, pero prefirió definitivamente inspirarse en un tema bíblico. Continuando con la tradición de la hermandad, sobre el marco escribe algunos versos, en este caso del Cantar de los cantares (ya que el tema de la amada esta sacado del Cantar de los Cantares IV) al igual que el Salmo 145. En este caso eligió una modelo profesional para encarnar a la amada, de la cual conocemos su nombre: Marie Ford. La figura central encarna a Beatrice, que se encuentra rodeada por cuatro damas, puestas de forma simétrica. El tocado que lleva es complejo y bello y está muy elaborado, demuestra la atención del autor por las creaciones del Art nouveau. El rojo y oro del broche contrastan con los cabellos castaños de la muchacha y el fantástico velo verde lleno de movimiento y volatilidad. La luz ilumina el rostro de la amada de manera uniforme e intensa resaltando así la piel blanca y fina de la joven. Como todas las composiciones de Rossetti de esta época, Beatrice mira al espectador, con una mirada a la vez sensual y melancólica. En casi todas las pinturas de Rossetti se muestra el gusto de este por las flores, las plasma en sus lienzos dándoles diversos significaos aunque a veces como mero hecho decorativo. La joven de color, porta una cesta con lirios. El lirio, aparece en las escenas religiosas ligado a la pureza de la Virgen María, y en la edad media en las manos de retratos de jóvenes damas indicando su castidad. Las flores de las esquinas superiores demuestran el dominio florar del Rossetti: las tintas son claras y luminosas, con pinceladas de blanco, rojo y amarillo. Demuestra una madurez expresiva por el detallado diseño, puede que influido por la manera de pintar de Manet., al que había conocido apenas unos meses antes de pintar el cuadro. </div><br /><br /><div align="justify"><strong>“El sueño de Dante”</strong> <a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEg_YjGDvGnE_PjcISuVqigtSUaexoNGDVTc6Nmq-pk1X2ogcUnKkmMrRiPex19sfChGMZPz3Mo2WtQJNG6EihVaSnKnnKfeezA6tAubg2syEf5a4GAFNWwzFeHRTU_HC79t7-GuiSDgVGh1/s1600-h/2elsueodedantealamuertekb1.jpg"><img id="BLOGGER_PHOTO_ID_5172448658326076530" style="margin: 0px 0px 10px 10px; float: right;" alt="" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEg_YjGDvGnE_PjcISuVqigtSUaexoNGDVTc6Nmq-pk1X2ogcUnKkmMrRiPex19sfChGMZPz3Mo2WtQJNG6EihVaSnKnnKfeezA6tAubg2syEf5a4GAFNWwzFeHRTU_HC79t7-GuiSDgVGh1/s400/2elsueodedantealamuertekb1.jpg" border="0" /></a><br />Fue pintado al óleo en 1871, y posee unas grandes dimensiones: 210,8 x 317,5 cm. Ratifica su pasión por la Divina comedia del escritor medieval Dante, esta será una de sus últimas obras dedicadas a la vita nuova de Dante. El episodio que nos plasma recoge la continuación de lo visto en “el saludo de Beatrice”, Dante cae gravemente enfermo y durante su enfermedad tiene una pesadilla que es un presagio de la muerte de Beatrice. En ella, ve al Amor sosteniendo a una mujer que está envuelta en un sudario. El Amor dice a Dante: -"Soy tu Dios" y le muestra su corazón. Sostiene con una mano a Beatriz y con la otra, el corazón ardiente de Dante. Entonces, reclina a Beatriz y le da a comer del corazón ardiente. Ella lo come con reticencia. Finalmente, el Amor muy triste toma a Beatriz y se la lleva al cielo. En el lienzo vemos en el centro el momento en que el amor de la mano de Dante, besa a Beatrice para llevársela al Paraíso. La escena es escoltada por dos mujeres fatales de Rossetti dando simetría a la escena. El rojo, símbolo del amor pasional, lo vemos en las cuidadosas rosas del suelo y en la vestimenta de el amor.<br /><br /><br /><strong>“Concierto en el Prado<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjODziEeavUNUmOZ2rE8NIpLDD7WcOrSgPlWzsJLARO-7hi-ASDUWTD9XXdNNR8a29iCePnhGxgxm22DxI7QBmUxAW7Yqw7vrMOsVhc3QXYBWqWYnQ9BIyjlQrBbGWDB2D39gEgyI0V_oUM/s1600-h/2lacasaenlapraderaky6.jpg"><img id="BLOGGER_PHOTO_ID_5172447919591701586" style="margin: 0px 10px 10px 0px; float: left; width: 306px; height: 362px;" alt="" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjODziEeavUNUmOZ2rE8NIpLDD7WcOrSgPlWzsJLARO-7hi-ASDUWTD9XXdNNR8a29iCePnhGxgxm22DxI7QBmUxAW7Yqw7vrMOsVhc3QXYBWqWYnQ9BIyjlQrBbGWDB2D39gEgyI0V_oUM/s400/2lacasaenlapraderaky6.jpg" border="0" height="388" width="316" /></a>” (1871-1872)</strong><br />Los cuadros de mujeres tocando instrumentos musicales eran de lo mas solicitados, quizá porque inspiraban sensualidad al público masculino de la época victoriana inglesa y Rossetti hizo varias réplicas pero con leves diferencias. Podemos apreciar claramente el cuidado exquisito que utiliza en los instrumentos y en las preciosas y delicadas manos de las doncellas. Estas dos doncellas instrumentistas tiene nombre y apellidos se tratan de Maria Spartali y Alexa Wilding. Rossetti utilizaría a estas dos modelos en la misma posición pero incluyendo un angelillo entre ellas para crean en 1872 un dibujo a pastel sobre papel. Las dos bailarinas están en la parte central del cuadro, creando una doble composición simétrica con las instrumentistas y creando un juego entre las cuatro de miradas hacia el espectador y el paisaje del lienzo. Simetría también apreciada en los colores de los vestidos, el verde y el rojo. Rossetti, había comenzado la tela en 1850 pintando el maravilloso paisaje del fondo, recreando las cercanías de la casa de Hunt en Kent. Lo quería utilizar para una composición de Dante en el Paraíso con Beatrice, pero no le convenció el proyecto y decidió abandonarlo.<br /></div><br /><div align="justify"><strong>"Proserpina (1874)"</strong> <a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjhD_Opf21sjYb2qXUFeOIuLq463UNUC6Trebwe2Evsna7LBsIbr5DZG_BFARdpAoFeHr1Wb8pbCufDYL9KTXjAvnv9pa7D60a-B7tauhdmnPPaRpfmCRR_SOeStazFa75x0V3ohgE8sxXg/s1600-h/dante+gabriele+rossetti.+proserpina.jpg"><img id="BLOGGER_PHOTO_ID_5172446815785106498" style="margin: 0px 0px 10px 10px; float: right;" alt="" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjhD_Opf21sjYb2qXUFeOIuLq463UNUC6Trebwe2Evsna7LBsIbr5DZG_BFARdpAoFeHr1Wb8pbCufDYL9KTXjAvnv9pa7D60a-B7tauhdmnPPaRpfmCRR_SOeStazFa75x0V3ohgE8sxXg/s400/dante+gabriele+rossetti.+proserpina.jpg" border="0" /></a><br />Proserpina, raptada por el Hades, dios de los infiernos y que tuvo que liberarla, pero con la condición de que no comiera nada en el regreso; Hades la engañó para que comiese seis semillas de granada, fruto de los muertos, que la obligaban a volver seis meses cada año, uno por cada semilla. La diosa es representada según un canon común al romanticismo y al simbolismo: la mezcla de belleza y muerte se indica con el pelo negro y una pose sensual de mujer fatal. En su mano, la granada alude al mito y también, en clave simbólica, a la muerte y la sangre. Volvemos a ver una de las mujeres fatales de Rossetti mezcla de sensualidad y tristeza. Pintó varias veces el mito de Proserpina, camuflado a veces en otros temas como en el seguiente cuadro que podemos observar, curioso detalle el parecido de las figuras, por lo que podría tratarse de la continuación del mito de Proserpina.<br /><br /><br /><strong>“El sueño con l<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiIEDX_MazRPG5rWzMukSmk5cVDKaLmNll2PnQ0wV-z5rwojg6z09wx1xlj3xtyOZng0OJ2NKrHWE7IXdS2B7G0Fg_k8k-8gdlda5VbRUvMXpZHZE2VVJtG61AhPdgvzxi7f4wRTtsa9eAC/s1600-h/dante+gabriele+rosseti.+el+sue%C3%B1o+con+los+ojos+abiertos.jpg"><img id="BLOGGER_PHOTO_ID_5172445583129492514" style="margin: 0px 10px 10px 0px; float: left; width: 232px; height: 392px;" alt="" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiIEDX_MazRPG5rWzMukSmk5cVDKaLmNll2PnQ0wV-z5rwojg6z09wx1xlj3xtyOZng0OJ2NKrHWE7IXdS2B7G0Fg_k8k-8gdlda5VbRUvMXpZHZE2VVJtG61AhPdgvzxi7f4wRTtsa9eAC/s400/dante+gabriele+rosseti.+el+sue%C3%B1o+con+los+ojos+abiertos.jpg" border="0" height="366" width="225" /></a>os ojos abiertos (1880)”</strong><br />La Modelo elegida para esta obra será Jane Morris, la cual aparece vestida de verde y pasa inadvertida entre la vegetación, creando así una alegoría a la naturaleza y regreso de la primavera. El título original para el cuadro era Monna primavera, pero prefirió darle una connotación menos literaria. Es una de las mejores obras de su etapa final, la cual fue encargada por Constantine Loindes, que al ir a ver la obra de Rossetti a su estudio quedo impresionado por la belleza de Jane Morris en un dibujo de pastel y tiza que tenía el artista. La muchacha posee un rostro intenso y muy expresivo, que se puede apreciar en todas las obras de sus últimos año, como ideal de belleza, sensual y melancólico Siguiendo su costumbre, en el marco expone un soneto que nos habla del sueño con los ojos abiertos, en el que el personaje pierde el contacto con la realidad y se abandona a la fantasía y a la imaginación. Las mujeres fatales de Rossetti poseían unos dedos alargados, delgados y nervosos, que pinta con una brutal técnica. Sus fuentes pudieron ser las excepcionales manos que Da Vinci plasma en la Gioconda o quizá alguna de las manos femeninas de Rafael. La primera intención de Rossetti era poner entre las manos de la joven campanillas de las nieves, pero como la creación del lienzo se alargó y se acercaba la primavera las cambió por madreselvas. La joven, tiene un libro entreabierto sobre las piernas, que se refiere a la Vita Nuova de Dante. Volvemos a observas la precisión y cuidado por las flores de Rossetti. Será tanta su precisión que se pasará meses viendo crecer un jardín. </div></div></div>Álvaro Sánchezhttp://www.blogger.com/profile/01964966623992339429noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-3732144510635180263.post-82634401968777145532008-02-26T02:22:00.014+01:002008-03-02T23:25:29.963+01:00Los Prerrafaelitas III: William Holman Hunt (1827-1910)<div align="justify"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEi6_jqQItnme8HoWhctqKUw8lawOzrH9NPNBJEUgadZYbXqaFaqfLZ7dPTqZgf72TWwKdIJ18VcRS2aGEzhpdPacC617LQRJapmH16BiaVKxZrxAUhCdmyGTIbNyOu1YoAjbBuRgzAUM5NO/s1600-h/Hunt_by_Millais.jpg"><img id="BLOGGER_PHOTO_ID_5171093779483653074" style="margin: 0px 0px 10px 10px; float: right;" alt="" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEi6_jqQItnme8HoWhctqKUw8lawOzrH9NPNBJEUgadZYbXqaFaqfLZ7dPTqZgf72TWwKdIJ18VcRS2aGEzhpdPacC617LQRJapmH16BiaVKxZrxAUhCdmyGTIbNyOu1YoAjbBuRgzAUM5NO/s320/Hunt_by_Millais.jpg" border="0" /></a>Hunt, desarrolló algunos de los lienzos más característicos del pensamiento del movimiento prerrafaelita, como “La vigilia de Santa Inés” (1848), pero a su ve realizó obras que desataron a la crítica como “Una familia inglesa convertida al cristianismo protege a un misionero de la persecución de los Druidas”<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEi6_jqQItnme8HoWhctqKUw8lawOzrH9NPNBJEUgadZYbXqaFaqfLZ7dPTqZgf72TWwKdIJ18VcRS2aGEzhpdPacC617LQRJapmH16BiaVKxZrxAUhCdmyGTIbNyOu1YoAjbBuRgzAUM5NO/s1600-h/Hunt_by_Millais.jpg"></a><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEi6_jqQItnme8HoWhctqKUw8lawOzrH9NPNBJEUgadZYbXqaFaqfLZ7dPTqZgf72TWwKdIJ18VcRS2aGEzhpdPacC617LQRJapmH16BiaVKxZrxAUhCdmyGTIbNyOu1YoAjbBuRgzAUM5NO/s1600-h/Hunt_by_Millais.jpg"></a><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEi6_jqQItnme8HoWhctqKUw8lawOzrH9NPNBJEUgadZYbXqaFaqfLZ7dPTqZgf72TWwKdIJ18VcRS2aGEzhpdPacC617LQRJapmH16BiaVKxZrxAUhCdmyGTIbNyOu1YoAjbBuRgzAUM5NO/s1600-h/Hunt_by_Millais.jpg"></a> (1849-1850), pintura que fue atacada con dureza por la crítica, ya que la interpretaron, sin razón, como un adhesión de los prerrafaelitas al catolicismo y a la iglesia de Roma.<br />Una de las obras mas conocidas de Hunt es “Valentino libera a Silvia de Proteo” (1850-1841). Representa la cuarta escena del quinto acto de la obra de Shakespeare “Los dos gentiles hombres de Verona”. Valentino perdona a Proteo, que había tratado de seducir a su amada menospreciando la amistad que los unía. Al fondo se ve llegar a un grupo de soldados, guiados por el duque de Milán que, al final de la comedia, se reconcilia con su hija Silvia y con Valentino. Hunt, estudio y se documentó sobre la historia para reproducirla lo mas fidedigna posible. Se inspiró en las tablas del British Museum de Bonnard sobre trajes de la historia para realizar la vestimenta de los personajes. Los modelos elegidos para representar a los personajes fueron James Lennox Hannay, en el caso de Valentino y James Espinal en el de Proteo. Silvia es recreada por la figura de Eleanor Siddal, que acababa de ingresar en la hermandad. El cuarto personaje que atisbamos en la escena es Julia, la Novia de Proteo. La expresión poco convencida y de incertidumbre de la muchacha revela los sentimientos opuestos que la atormentan. Su tensión se aprecia también en las manos, que hacen girar con nervios el anillo que Proteo le había regalado como prenda de su amor. </div><br /><div align="justify"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgFlRAGdtd8Br05qGdmINFOzMi2aYQ-mGWnceKH5qGgei47BPT5gPZ3_9YdH5t-0Mc2c2dUM9yClEo2xWbGYtZb0SPLpRK8LGZV-42GwNM_ZE3BHUFnvUHZ6m7PzbdhmTUpkPjVRUqnBnZ-/s1600-h/Hunt.+chivo+expiatorio.jpg"><img id="BLOGGER_PHOTO_ID_5171094462383453154" style="margin: 0px 10px 10px 0px; float: left; width: 305px; height: 216px;" alt="" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgFlRAGdtd8Br05qGdmINFOzMi2aYQ-mGWnceKH5qGgei47BPT5gPZ3_9YdH5t-0Mc2c2dUM9yClEo2xWbGYtZb0SPLpRK8LGZV-42GwNM_ZE3BHUFnvUHZ6m7PzbdhmTUpkPjVRUqnBnZ-/s320/Hunt.+chivo+expiatorio.jpg" border="0" height="182" width="305" /></a><br /><strong>“El chivo expiatorio” (</strong>1854-1855)la pintura es uno de los mejores ejemplos de la atmósfera de fervor religioso que caracterizó la vida y las obras de Hunt. El artista realizó la obra en Jerusalén, inspirándose en el pasaje del Levítico (16, 7-10) en el que Dios ordena a Moisés llevar dos chivos al tempo el día de la penitencia: uno deberá ser sacrificado; el otro, abandonado en el desierto. Lo fulminante de la obra no es la figura sedienta del chivo, si no el maravilloso paisaje que Hunt a sabido reflejar en el cuadro.<br /><br /><strong>“El hallazgo de Jesús en el Templo”</strong> (1854-1860). En la parte superior del marco el pintor escribió con letras de oro, el título, y sobre los otros tres lados el pasaje del evangelio de San Lucas al que se refiere a este episodio (desvelando así el fanatismo religioso de Hunt). Cuando Hunt decidió realizar la obra se encontraba a orillas del río Nilo. Más tarde cuando llegó a Jerusalén se documentó en la biblioteca de la ciudad, e hizo que le tradujesen el talmud. Participó el mismo en varios ritos de la religión hebrea para realizar <a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEg9SwDQF2Byx2_-sXqrFKqAgzC1KUxDZj5jVnK1pG_E1PBH5vX5xZ1sRJbRppv26FIaS2QDcNaIcFuCg0l7yMQxjt2XgszHzEtJLXLKfvGYBU3qoldPVpXJFtodoS-p6ympr1nqyi5gwaTm/s1600-h/hunt.+hallazgo+de+jesus+en+el+templo.jpg"><img id="BLOGGER_PHOTO_ID_5171095179642991602" style="margin: 0px 0px 10px 10px; float: right;" alt="" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEg9SwDQF2Byx2_-sXqrFKqAgzC1KUxDZj5jVnK1pG_E1PBH5vX5xZ1sRJbRppv26FIaS2QDcNaIcFuCg0l7yMQxjt2XgszHzEtJLXLKfvGYBU3qoldPVpXJFtodoS-p6ympr1nqyi5gwaTm/s320/hunt.+hallazgo+de+jesus+en+el+templo.jpg" border="0" height="238" width="320" /></a>el lienzo con la mayor rigurosidad histórica posible. Deseaba tanto realizar un cuadro real que sólo quiso que posasen para él semitas, pero encontró trabas, ya que se negaban a posar para un cristiano. Tras varios intentos y gracias a amistades importantes logró conseguirlo. El mendigo ciego, relegado al exterior del edificio, representa simbólicamente la censura espiritual de los sacerdotes del templo, incapaces de reconocer en el joven Jesús al verdadero salvador. Además fue interpretado como una premonición sobre el futuro de miseria y persecución por el pueblo hebreo en los siglos posteriores. La mujer músico crea sonido con un sistro, un instrumento ritual en bronce u otros metales que consiste en una lámina con forma de herradura atravesada por varillas móviles transversales, ya era utilizado en la antigüedad egipcia. El lienzo sirvió para crear un grabado en 1867, tendría mucha difusión en libros de la época. </div><div align="justify"><br /><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgZdeLfck9Vk2uBFsoKdXt6TMuy-Fsq8_xZ3JSSykhz6wQr0D75e7v_ZjlirB3dYJuuti-rraH4sOZBfT5eMSOSTTRcWuK4qjz9cJx4ENJeDjY7ZPpbsM_J1ORktjN4tzjPUmflP9uY_AJo/s1600-h/hunt,la+sombra+de+la+muerte.jpg"><img id="BLOGGER_PHOTO_ID_5171095647794426882" style="margin: 0px 10px 10px 0px; float: left;" alt="" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgZdeLfck9Vk2uBFsoKdXt6TMuy-Fsq8_xZ3JSSykhz6wQr0D75e7v_ZjlirB3dYJuuti-rraH4sOZBfT5eMSOSTTRcWuK4qjz9cJx4ENJeDjY7ZPpbsM_J1ORktjN4tzjPUmflP9uY_AJo/s400/hunt,la+sombra+de+la+muerte.jpg" border="0" /></a><br /><strong>“La sobra de la muerte”</strong> Comenzada en abril de 1870 en Jerusalén, fue terminada en Londres en 1873. De la pintura se obtuvo un grabado, tan popular que se convirtió en símbolo de la religiosidad victoriana. La imagen nos revela a un cristo en pose de crucificado pero sin la cruz, ofreciendo su sombra mística de salvación a los hombres. El escenario curiosamente es el taller de su padre. La imagen femenina, pretende ser maría, la cual anonada contempla la imagen de su hijo crucificado, el arco de la ventana hace el efecto de nimbo sobre la cabeza del crucificado. En la parte superior de la ventana, hay una estrella, no es la de David, si no la de Navidad, recordándonos el nombre de Cristo Emanuelle, que significa Dios entre nosotros. Entre los rollos debajo de la ventana encontramos desplegada la profecía de Isaías que habla del hijo de Dios que ah de venir. A través de la ventana observamos la figura de un olivo, aludiendo a la ultima oracion terrenal de cristo con el padre, y recordemos que la paloma porta un olivo… es una alusión somera a la trinidad. Los pilares de la ventana podrían estar también aludiendo a los pilares del Templo de Jerusalén. Entre la sombra y la pared, hay una figura de bronce, en forma de serpiente, alude al pasaje del génesis de moisés y la serpiente.<br /><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgRUxMDkwt633MOZOdqYu4tHeyJpwdzNKhPWvV6XH7i4aeWvZjEO3G3LWVGlVz4mSMAjo0yeqZMIuH0XlcaPNvFBp6WfnBOmXn5C732-p-FGEBBmGuUS9vYV7USedtkQecNJ-OJJZiRmRsS/s1600-h/Hunt.+la+dama+de+Shalott.jpg"><img id="BLOGGER_PHOTO_ID_5171095871132726290" style="margin: 0px 0px 10px 10px; float: right; width: 310px; height: 353px;" alt="" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgRUxMDkwt633MOZOdqYu4tHeyJpwdzNKhPWvV6XH7i4aeWvZjEO3G3LWVGlVz4mSMAjo0yeqZMIuH0XlcaPNvFBp6WfnBOmXn5C732-p-FGEBBmGuUS9vYV7USedtkQecNJ-OJJZiRmRsS/s400/Hunt.+la+dama+de+Shalott.jpg" border="0" height="415" width="310" /></a><br /><strong>“La dama de Shalott”</strong> (1886-1905). Fue su gran obra final, ya que tubo que abandonar la pintura debido a la falta de visión, de hecho la obrase paralizó en 1890 y fue concluida por sus ayudantes en 1905. Está basado en el poema homónimo de Tensión de 1842, se inspira en las antiguas leyendas artúricas, pero la trama es de gran carga fantástica. La dama teje en una tela mágica las imágenes de los que pasan cerca de su castillo, directos a Camelot. Víctima de un maleficio, puede ver sólo a los viajeros a través de un espejo. Cuando pasa Lancelot, el espejo se rompe; la dama sube en una barca pero, pero una vez junto al castillo de Camelot, muere de amor. Tennynson, al ver la obra encolerizó, porque a su criterio, Hunt, no había sabido transmitir el sentimiento de la obra si no que, había querido reflejar en la pintura la síntesis de su propia visión moral y estética, el testamento espiritual de su arte.<br />Un seguidor de Hunt, Alfred Waterhouse, real<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjwRmcky-sv9sqIFiSN6nrt_4Od0KpdQ5Q6GBI_3w8ZSM1_uwqxZKmCU0AyApHKD1XSEKwl55NVJynmHLNQSBSfT0g69I-7tsIgcc6eZV5urfRjmKDHgbC4DBY0VkA2v8omjZN9E0atIncY/s1600-h/Waterhouse.+la+dama+de+shalott.jpg"><img id="BLOGGER_PHOTO_ID_5171096257679782946" style="margin: 0px 10px 10px 0px; float: left;" alt="" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjwRmcky-sv9sqIFiSN6nrt_4Od0KpdQ5Q6GBI_3w8ZSM1_uwqxZKmCU0AyApHKD1XSEKwl55NVJynmHLNQSBSfT0g69I-7tsIgcc6eZV5urfRjmKDHgbC4DBY0VkA2v8omjZN9E0atIncY/s400/Waterhouse.+la+dama+de+shalott.jpg" border="0" /></a>izó entre 1887-1888 otra Dama de Shalott. En esta versión extremadamente bella del poema de Tensión, el artista ha representado a la dama poco antes del trágico epílogo. Ella ya no es una poderosa bruja, sino una muchacha indefensa, y el elegante vestido ha sido sustituido por una simple túnica blanca. La mirada ausente y los brazos abandonados indican su rendición al destino mientras es amparada por una naturaleza minuciosamente pincelada.<br />Hunt, tendra una serie de seguidores de su obra. Defensores de un cuidado realismo pictórico, incluso en los temas literarios o mitológicos, autores de cuadros religiosos y rígidamente moralistas. Entre<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhauJ_wZD6o1kiFmhRcwfdbD7wR5YwrnmKZEQ7aSkYtu2U55y6IHVMT-cxIgRW3nJaqUJcaF2NL9cjPEtJOJIgpeDGzDtAim499h1Ltck1SnNoHDwkVu9xv2hxTchM6H3_OokIYOPHgJkwe/s1600-h/wallis.+la+muerte+de+Chaterton..jpg"><img id="BLOGGER_PHOTO_ID_5171096901924877378" style="margin: 0px 0px 10px 10px; float: right;" alt="" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhauJ_wZD6o1kiFmhRcwfdbD7wR5YwrnmKZEQ7aSkYtu2U55y6IHVMT-cxIgRW3nJaqUJcaF2NL9cjPEtJOJIgpeDGzDtAim499h1Ltck1SnNoHDwkVu9xv2hxTchM6H3_OokIYOPHgJkwe/s320/wallis.+la+muerte+de+Chaterton..jpg" border="0" /></a> estos seguidores del maestro Hunt destacan Hughes, Dyce, Wallis, Bowl<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiiZxzvovwHjmXbyRS55ay49q3YgtkP362Ag8jfu-_JhbmsRUVmRBuPtolG6gOg16tStjtYkb31-0oYzL5xpMS98PNG2HoSrzcD3dXuyB9oD0WzbMWkPaA9HN7SkO7gYWTO9HkpcwFlNf1Q/s1600-h/wallis.+la+muerte+de+Chaterton..jpg"></a>er, Brett y Lindsay Windus. Crearán obreas tan representativas del movimiento como “La muerte de Chatterton” (1856), de Henry Wallis, ( a mano derecha) que será una polémica denuncia a la indiferencia de la sociedad, que empuja al joven y bello poeta al suicidio.<br />O como “Ophelia” (1852) de Arthur Hughes. El pintor afrontó muchas veces el tema del amor romántico. El ánimo perturbado de la muchacha es evocado en los tonos oscuros del paisaje, que parecen presagiar su trágica muerte por amor.<br /><br />Nació en abril de 1827.En 1844, tras dos intentos sin fruto fue admitido en la Royal Academy. En 1845 ya estaba exponiendo su obra en la Royal Manchester Institution. En enero de 1854 dejo su Inglaterra natal para viajar por tierra santa y Egipto, en compañía del pintor Thomas Seddon. Regresó tres veces mas, viajes que marcaron profundamente su lenguaje pictórico.</div>Álvaro Sánchezhttp://www.blogger.com/profile/01964966623992339429noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-3732144510635180263.post-2348465297998740112008-02-19T22:59:00.015+01:002008-02-29T18:25:26.949+01:00Los prerrafaelitas II: John Everett Millais (1829-1896)<div style="TEXT-ALIGN: justify"><a onblur="try {parent.deselectBloggerImageGracefully();} catch(e) {}" href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgkbx0FGQtScStYNB_aXkaEEqTvf3PCUk6O8m4JgtzS82d8c6NAec-BbnTZYzsW7Pr-G1LUN610KtbPq6cjS75RtyVSRfwQDWs-YhZiJ1nsZf4x9FRf_Htyf5SEGS2vv3DeDTKdVCVGj5BB/s1600-h/JohnEverettMillais.jpg"><img id="BLOGGER_PHOTO_ID_5168819761776545714" style="FLOAT: left; MARGIN: 0pt 10px 10px 0pt; CURSOR: pointer" alt="" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgkbx0FGQtScStYNB_aXkaEEqTvf3PCUk6O8m4JgtzS82d8c6NAec-BbnTZYzsW7Pr-G1LUN610KtbPq6cjS75RtyVSRfwQDWs-YhZiJ1nsZf4x9FRf_Htyf5SEGS2vv3DeDTKdVCVGj5BB/s200/JohnEverettMillais.jpg" border="0" /></a>Comenzó a pintar con la temprana edad de cuatro años. A los siete, realizaba paisajes y retratos tan sumamente perfectos que convencieron a su padre para trasladar a la familia a Londres y permitir que su hijo estudiara allí y potenciara sus aptitudes. Con diez años ya frecuentaba las salas del <span style="FONT-STYLE: italic">British Museum</span> y de <span style="FONT-STYLE: italic">La Academia d’art de Henry Sass</span>. Su obra giró entorno a temas históricos ambientados, sobre todo, en su ansiada edad media italiana, a las escenas religiosas y a los retratos. En 1850, expuso su obra en la <span style="FONT-STYLE: italic">Royal Academy</span>, la cual fue brutalmente juzgada por la crítica, a excepción de Ruskin, el único crítico que salió en su defensa. Una de las obras clave de Millais es <span style="FONT-STYLE: italic">Ophelia</span> (1851-1852, Tate Gallery, Londres). <a onblur="try {parent.deselectBloggerImageGracefully();} catch(e) {}" href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiPytSfRCAt2TW-UkL_KFE3EPFDNrDdt9F-7v6M5n1sCnx1udZmVedtasPmExKPSbyf4TxoMA58J7oP8UjEswygdkNJEiX_DpigHjLijB5VHoyL5aeur4_SVZFNj7m-IR8wvebL3UaWNLKe/s1600-h/Ophellia,millais.jpg"><img id="BLOGGER_PHOTO_ID_5168819955050074050" style="FLOAT: right; MARGIN: 7pt 0pt 10px 10px; CURSOR: pointer" alt="" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiPytSfRCAt2TW-UkL_KFE3EPFDNrDdt9F-7v6M5n1sCnx1udZmVedtasPmExKPSbyf4TxoMA58J7oP8UjEswygdkNJEiX_DpigHjLijB5VHoyL5aeur4_SVZFNj7m-IR8wvebL3UaWNLKe/s320/Ophellia,millais.jpg" border="0" /></a>La modelo que encarna a la infeliz hija de Polonio era una joven oficial, Elisabeth Siddal. Rossetti la vio mientras posaba en una tina de agua recalentada para el lienzo de Millais y se enamoró de ella. Los críticos quedaron conmovidos por el trágico sentido de desesperación de la figura de Ophellia y por la precisión de la botánica del cuadro.<br /></div><div align="justify"><br />Otra de las obras de Millais fue <span style="FONT-STYLE: italic">Lorenzo e Isabella</span> (1848). Con clara ambientación medieval, fue su primera pintura firmada con las iniciales P. R. B., contraseña inicialmente secreta de los prerrafaelitas.Más tarde, en 1867, presentó a la <span style="FONT-STYLE: italic">Royal Academy</span> tres pinturas representando <a onblur="try {parent.deselectBloggerImageGracefully();} catch(e) {}" href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjocyjQvZ38LKS2Uf0VPsYhK8IMWO7fJ8SEVFcS-mFSAoywEoLuAHMSNrjfE_DdoFlyzhurE8YdFMd9rCCmiWiv5Sh35kLF3o5v_YkTLK2vnOEzdLrKdCG5zHuQVwbIG63RncOQzFBPNYuA/s1600-h/Lorenzo+e+isabella,+millais.jpg"><img id="BLOGGER_PHOTO_ID_5168820659424710610" style="FLOAT: left; MARGIN: 7pt 10px 10px 0pt; CURSOR: pointer" alt="" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjocyjQvZ38LKS2Uf0VPsYhK8IMWO7fJ8SEVFcS-mFSAoywEoLuAHMSNrjfE_DdoFlyzhurE8YdFMd9rCCmiWiv5Sh35kLF3o5v_YkTLK2vnOEzdLrKdCG5zHuQVwbIG63RncOQzFBPNYuA/s200/Lorenzo+e+isabella,+millais.jpg" border="0" /></a>a sus tres hijas. El lienzo con el título <span style="FONT-STYLE: italic">Dormida</span> (1865, colección privada, abajo), fue el de mayor calidad. Representa a Carrie, la más pequeña de sus descendientes. La escena muestra a la pequeña dormida bajo la vigilancia de la niñera que anecdóticamente se encuentra cosiendo. Los entendidos han <a onblur="try {parent.deselectBloggerImageGracefully();} catch(e) {}" href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhqc46_SmigOLmuUAqzJ_MePUbTF2SG_cMNAsirMOBMBYEyzeIc8btaS5sSfzPZr7ySGcoOzW72aFJo-EqE1YlqbF2EOZtxi5cNfcEujSvT0CQvSxEyYBMIFum0HWzWrSLlPbzhmvPg5QkU/s1600-h/Millais.+dormida.jpg"><img id="BLOGGER_PHOTO_ID_5168823300829597698" style="FLOAT: right; MARGIN: 7pt 0pt 10px 10px; CURSOR: pointer" alt="" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhqc46_SmigOLmuUAqzJ_MePUbTF2SG_cMNAsirMOBMBYEyzeIc8btaS5sSfzPZr7ySGcoOzW72aFJo-EqE1YlqbF2EOZtxi5cNfcEujSvT0CQvSxEyYBMIFum0HWzWrSLlPbzhmvPg5QkU/s200/Millais.+dormida.jpg" border="0" /></a>interpretado en clave alegórica la presencia de las flores en la mano de la niña. Las campanillas han sido vistas como símbolo de constancia y devoción, mientras que las prímulas podrían representar augurios de amor y felicidad, que el artista dirige a su querida hija. Podemos observar que la cinta roja en primer plano esta apenas esbozada, con pinceladas rápidas y veloces, pero con gran maestría. Por último, los críticos no pasaron por alto el contraste con el blanco marfil del cobertor, dibujado con gran precisión.</div>Álvaro Sánchezhttp://www.blogger.com/profile/01964966623992339429noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-3732144510635180263.post-27023415830252200022008-02-11T14:36:00.003+01:002008-03-02T23:24:35.938+01:00Los prerrafaelitas I<div style="text-align: center;"><embed name="looopSlider2" src="http://www.imageloop.com/looopSlider2.swf?id=" type="application/x-shockwave-flash" test="&c=" quality="high" scale="noscale" salign="l" wmode="transparent" allowscriptaccess="always" align="middle" height="325" width="400"></embed> <div style="width: 400px; padding-top: 3px; text-align: center;"><a title="Crear nueva Slideshow" href="http://www.imageloop.com/setuplooop.htm" target="_blank"><br /></a></div></div><div style="text-align: justify;"><span style="font-size:100%;"><span style="font-family:verdana;">A continuación, comenzamos una sucesión de varias entradas dedicadas a acercar a nuestro conocimiento el la hermandad prerrafaelita. Para poder entenderla, debemos, primero, situarnos en el contexto artístico de la época, que no es otro que el periodo romántico, para, después, entrar en detalle describiendo a los artistas más importantes de este movimiento.</span><o:p></o:p></span></div><p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span lang="ES-TRAD" style="font-family:Verdana;"><span style="font-size:100%;">El romanticismo fue un extenso movimiento cultural nacido en Alem</span>ania e Inglaterra a finales del siglo XVIII y que duró hasta más o menos finales del siglo XIX.<span style="font-size:0;"> </span>¿Por qué romanticismo? Con el termino <i>Romantic</i>, los críticos de la época despreciaron al nuevo estilo, indicando que su obra era fantástica e irreal, como lo que se cuenta en una novela. Los nuevos poetas se apropiaron del nombre en contraposición a las críticas artísticas del momento con intención provocativa. Propugnaron la superioridad de la fantasía y el sentimiento sobre la razón, buscando así una conversación íntima con la naturaleza. Revalorizaron el arte y la cultura de </span><st1:personname productid="la Edad"><span lang="ES-TRAD" style="font-family:Verdana;">la Edad</span></st1:personname><span lang="ES-TRAD" style="font-family:Verdana;"> media y políticamente se situaron al lado de los movimientos liberales.<o:p></o:p></span></p><p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span lang="ES-TRAD" style="font-family:Verdana;">La reina Victoria fue coronada en junio de 1838, con la corta edad de diecinueve años. Dos años más tarde, se casó con su primo Alberto de Sajonia-Coburgo, que murió 21 años después. El largo reinado de la reina Victoria supuso para </span><st1:personname productid="la Inglaterra"><span lang="ES-TRAD" style="font-family:Verdana;">la Inglaterra</span></st1:personname><span lang="ES-TRAD" style="font-family:Verdana;"> del XIX unos cambios radicales: de ser un país agrícola pasó a ser una de las más grandes potencias coloniales del mundo y la primera potencia política mundial. La burguesía empresarial conquistó el poder político de forma pacífica, sin enfrentarse a la aristocracia renacentista. La época victoriana marcó el triunfo de los valores burgueses, pero, sobre todo, la fe en el progreso y en la prosperidad del país.<o:p></o:p></span></p><p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span lang="ES-TRAD" style="font-family:Verdana;">En 1848, William Hunt, Dante Gabriele Rossetti, su hermano<span style="font-size:0;"> </span>William Michael Rossetti y<span style="font-size:0;"> </span>John Everett Millais, fundaron la confraternidad de los prerrafaelitas.<span style="font-size:0;"> </span>A la sociedad, se Irán sumando poco a poco diferentes autores de las artes de </span><st1:personname productid="la Inglaterra"><span lang="ES-TRAD" style="font-family:Verdana;">la Inglaterra</span></st1:personname><span lang="ES-TRAD" style="font-family:Verdana;"> victoriana. <span style="font-size:0;"></span>Su lugar de reunión fue el estudio de Hunt o la casa paterna de Millais. El nombre elegido por la sociedad indica el rechazo a las obras tardías de Rafael, del manierismo y del neoclasicismo, pues ansían un acercamiento a la naturaleza de los recién descubiertos pintores primitivos. Este movimiento anheló un regreso al medievo y sus seguidores afrontaron su día a día preocupados y a la vez fascinados por el avance tecnológico que se estaba dando en la sociedad de la reina Victoria. <o:p></o:p></span></p><p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span lang="ES-TRAD" style="font-family:Verdana;">Los prerrafaelitas no fueron los primeros ni los últimos en interesarse por el medievo. Si en el iluminismo fue considerado como una época oscura, dominada por la ignorancia y la superstición, el romanticismo comenzó su revalorización y su descubrimiento. El mayor impulso procede de los escritores, en particular de Walter Scout, que con Ivanhoe estableció la moda de las novelas históricas. El primer acercamiento de los pintores a la Edad Media tiene lugar a través de algunas obras de Shakespeare, tan radicadas en el imaginario colectivo como para ser inmediatamente reconocibles. Poco a poco, el interés por las obras medievales fue adquiriendo importancia, como, por ejemplo, <i>La divina Comedia</i> de Dante, en la cual Rosseti encontró su gran inspiración.<o:p></o:p></span></p><p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span lang="ES-TRAD" style="font-family:Verdana;">Antes de pasar a describir el primer artista de esta hermandad, hemos de mencionar que el misticismo romántico llevó a alguno de ellos a abrazar de manera intempestiva la fe católica, lo que suponía un verdadero baldón en la rígida Inglaterra anglicana.<o:p></o:p></span></p><p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span lang="ES-TRAD" style="font-family:Verdana;"><o:p></o:p></span></p><p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><a onblur="try {parent.deselectBloggerImageGracefully();} catch(e) {}" href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhnB6O6yhBhCxuTYMoc-KptlotQyf6-0xPpkyquM5B5U8cRadNDXKTGAr2SPGHvTuP4bqSjsAn7v9qBfWn4dNvzft6mFyyo0cKs7MM_pe49P91vN9j1Gc8ANp-PgIWZr_ZpHmgB1_1GBfEN/s1600-h/ford_madox_brown+copia.jpg"><img id="BLOGGER_PHOTO_ID_5165751621851476914" style="margin: 0pt 10px 10px 0pt; float: left; cursor: pointer;" alt="" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhnB6O6yhBhCxuTYMoc-KptlotQyf6-0xPpkyquM5B5U8cRadNDXKTGAr2SPGHvTuP4bqSjsAn7v9qBfWn4dNvzft6mFyyo0cKs7MM_pe49P91vN9j1Gc8ANp-PgIWZr_ZpHmgB1_1GBfEN/s320/ford_madox_brown+copia.jpg" border="0" /></a><span style="font-size:130%;"><b><span lang="ES-TRAD" style="font-family:Verdana;">Ford Madox Brown</span></b></span><span lang="ES-TRAD" style="font-family:Verdana;"> <o:p></o:p></span></p><p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span lang="ES-TRAD" style="font-family:Verdana;">No llegó a formar parte de la hermandad, pero compartió todos sus principios, manteniendo con los integrantes de la fraternidad una gran amistad y compartiendo su el interés por la pintura medieval e intolerancia hacia el clasicismo académico. Era mayor que los otros prerrafaelitas, ya que había nacido en 1821. Fue un aventajado alumno de Jacques Louis David en París, que viajó a Roma, donde descubrió el espectacular mundo de la pintura Italiana, que influyó tremendamente en su estilo posteriormente. En 1846, regresa a Inglaterra donde conoce a Rossetti, el cual le solicita lecciones de pintura y le presenta a Hunt y a Millais, a quienes transmite cuanto había aprendido en su estancia en Roma.</span></p><p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><br /><span lang="ES-TRAD" style="font-family:Verdana;"><o:p></o:p></span></p><p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span lang="ES-TRAD" style="font-family:Verdana;"><o:p></o:p></span></p><p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><a onblur="try {parent.deselectBloggerImageGracefully();} catch(e) {}" href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEilkbynIhT_r1TC6j2puX5MMGN5ykU0Z2eQV5JW8WP6wMl2JNQ5y57OHumsLxJzqmn0mTJZQ6oner5yG00quteCKE6fqvCn2rMPjSPcmts5o01Tzsu-hzM031GDKVpnpcWIg8x-rjoJ02Lr/s1600-h/Brown.+trabajo.jpg"><img id="BLOGGER_PHOTO_ID_5165749848029983602" style="margin: 0pt 0pt 10px 10px; float: right; cursor: pointer;" alt="" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEilkbynIhT_r1TC6j2puX5MMGN5ykU0Z2eQV5JW8WP6wMl2JNQ5y57OHumsLxJzqmn0mTJZQ6oner5yG00quteCKE6fqvCn2rMPjSPcmts5o01Tzsu-hzM031GDKVpnpcWIg8x-rjoJ02Lr/s320/Brown.+trabajo.jpg" border="0" /></a><b><i><span lang="ES-TRAD" style="font-family:Verdana;">Trabajo</span></i></b><span lang="ES-TRAD" style="font-family:Verdana;"> <b>(1852-1863)</b><br />La pintura fue encargada por Mister Plint, un coleccionista de Leeds. Fue expuesta, en 1865, en la Picadilly Gallery. En este cuadro, quiso tocar un tema delicado como es el trabajo. Se trata de una celebración de la mencionada actividad, fiel al espíritu victoriano de la época. Madox sitúa a los excavadores en el centro, presentados en una actitud épica. El hombre que se encuentra de pie adquiere una pose heroica y majestuosa con una rosa entre los dientes, como símbolo del poder británico. Como vemos, desde el verdulero harapiento (derecha) hasta los cantantes transeúntes que cantan para ganarse el pan son recogidos en esta obra. Además, en el centro inferior, aparece una burguesa regañando a su hijo para que deje de oír a los músicos y la siga. En el cuadro, a la izquierda, aparece Thomas Carlyle, autor de <i>Pasado y presente</i> y, a su izquierda, con un libro en la mano, encontramos a Maurice. Es una representación de los intelectuales que, aun pareciendo perezosos, trabajan con la mente, coordinando la actividad y determinando la felicidad de otros.</span></p><p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><br /><span lang="ES-TRAD" style="font-family:Verdana;"><o:p></o:p></span></p><p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span lang="ES-TRAD" style="font-family:Verdana;"><o:p></o:p></span></p><p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><a onblur="try {parent.deselectBloggerImageGracefully();} catch(e) {}" href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiPtBUgB9gv26XIYuwwCOZB7dlUOoQHl7AxWBFa3BS3v_Cxn4lt3vWlaiIhMrfdVZu71l2G_wM3B2HZklLxtQUb3V0EiYWMd_KNLnXR770kyZWPyGb2dhrsgdxZTeFMcu0NkqB9s2L0txmo/s1600-h/brown.+El+traje+de+colores.jpg"><img id="BLOGGER_PHOTO_ID_5165750079958217602" style="margin: 0pt 10px 10px 0pt; float: left; cursor: pointer;" alt="" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiPtBUgB9gv26XIYuwwCOZB7dlUOoQHl7AxWBFa3BS3v_Cxn4lt3vWlaiIhMrfdVZu71l2G_wM3B2HZklLxtQUb3V0EiYWMd_KNLnXR770kyZWPyGb2dhrsgdxZTeFMcu0NkqB9s2L0txmo/s320/brown.+El+traje+de+colores.jpg" border="0" /></a><b><i><span lang="ES-TRAD" style="font-family:Verdana;"><br /></span></i></b></p><p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><b><i><span lang="ES-TRAD" style="font-family:Verdana;"><br /></span></i></b></p><p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><b><i><span lang="ES-TRAD" style="font-family:Verdana;"><br /></span></i></b></p><p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><b><i><span lang="ES-TRAD" style="font-family:Verdana;"><br /></span></i></b></p><p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><b><i><span lang="ES-TRAD" style="font-family:Verdana;"><br /></span></i></b></p><p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><b><i><span lang="ES-TRAD" style="font-family:Verdana;"><br />El traje de colores</span></i></b><b><span lang="ES-TRAD" style="font-family:Verdana;"> (1864-1866)</span></b><br /><span lang="ES-TRAD" style="font-family:Verdana;">La pintura ilustra el episodio bíblico extraído del génesis (Gn 37, 32). <i>Los hijos de Jacob</i>, en el que, tras haber vendido éstos a su hermano José a los israelitas, muestran al padre su traje ensangrentado, para hacerle creer que fue víctima de una fiera.</span></p><p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><br /><span lang="ES-TRAD" style="font-family:Verdana;"><o:p></o:p></span></p><p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span lang="ES-TRAD" style="font-family:Verdana;"><o:p></o:p></span></p><p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span lang="ES-TRAD" style="font-family:Verdana;"><o:p></o:p></span></p><p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><a onblur="try {parent.deselectBloggerImageGracefully();} catch(e) {}" href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiL_guIOPbCeDfEseyqAwlfszLcsG0VlV1D07YTAekFYIP_W1kd6g-SsLtQkCOMx5kAXkj7TO5Hl6mvPBK6P9s_LOE5n75cMhxYPim1k0ccEd7e4asc0vD9n3-1aRty71Amt24Vprob0mcl/s1600-h/Brown.+jesus+lava+los+pies+de+pedro.jpg"><img id="BLOGGER_PHOTO_ID_5165750483685143442" style="margin: 0pt 0pt 10px 10px; float: right; cursor: pointer;" alt="" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiL_guIOPbCeDfEseyqAwlfszLcsG0VlV1D07YTAekFYIP_W1kd6g-SsLtQkCOMx5kAXkj7TO5Hl6mvPBK6P9s_LOE5n75cMhxYPim1k0ccEd7e4asc0vD9n3-1aRty71Amt24Vprob0mcl/s320/Brown.+jesus+lava+los+pies+de+pedro.jpg" border="0" /></a><b><i><span lang="ES-TRAD" style="font-family:Verdana;"><br /></span></i></b></p><p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><b><i><span lang="ES-TRAD" style="font-family:Verdana;"><br /></span></i></b></p><p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><b><i><span lang="ES-TRAD" style="font-family:Verdana;"><br /></span></i></b></p><p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><b><i><span lang="ES-TRAD" style="font-family:Verdana;"><br /></span></i></b></p><p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><b><i><span lang="ES-TRAD" style="font-family:Verdana;">Jesús lava los pies a pedro</span></i></b><b><span lang="ES-TRAD" style="font-family:Verdana;"> (1852-1856)</span></b><br /><span lang="ES-TRAD" style="font-family:Verdana;">La pintura está colocada junto a <i>Cristo en casa de sus Padres</i> de Millais por su humilde y sencillo realismo. Los personajes parecen personas corrientes y su actitud parece totalmente natural.</span></p><p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><br /><span lang="ES-TRAD" style="font-family:Verdana;"><o:p></o:p></span></p><p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span lang="ES-TRAD" style="font-family:Verdana;"><o:p></o:p></span></p><br /><p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><a onblur="try {parent.deselectBloggerImageGracefully();} catch(e) {}" href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgVvBy7JFVsVgSRS7YJMbu79swOodjwilOKd0_qeXn4Kt56E0579pw27SYgwJMI6M0FFvKwg4P396zaPIrgPmQwuVCwybXnNXUrR02S3zITevSAnzexiawvyJ7HAT2KfR3uhS1Qy0FPpnUE/s1600-h/brown.+haydee+descubre+el+cuerpo+de+domn+juan.jpg"><img id="BLOGGER_PHOTO_ID_5165750741383181218" style="margin: 0pt 10px 10px 0pt; float: left; cursor: pointer;" alt="" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgVvBy7JFVsVgSRS7YJMbu79swOodjwilOKd0_qeXn4Kt56E0579pw27SYgwJMI6M0FFvKwg4P396zaPIrgPmQwuVCwybXnNXUrR02S3zITevSAnzexiawvyJ7HAT2KfR3uhS1Qy0FPpnUE/s320/brown.+haydee+descubre+el+cuerpo+de+domn+juan.jpg" border="0" /></a><b><i><span lang="ES-TRAD" style="font-family:Verdana;">Haydee descubre el cuerpo de Don Juan</span></i></b><b><span lang="ES-TRAD" style="font-family:Verdana;"> (1870-1873)</span></b><br /><span lang="ES-TRAD" style="font-family:Verdana;">El tema está sacado del Don Juan de Lord Byron (canto II, versos 110-112). En él, Don Juan naufraga en una de las islas Cicladas y es salvado por Haydee, con la que tendrá una infeliz historia de amor. Vemos, aquí, de nuevo el tema del amor fatal tan tratado por los prerrafaelitas. Por encima de la diagonal que divide en dos el lienzo podemos observar un paisaje rocoso minuciosamente cuidado. La figura de Don Juan, está cubierto por un palo blanco como símbolo de pureza e inmortalidad, como si de un cristo muerto se tratara. Haydee, semejante a una María dolorosa, descubre a su amado bajo la mirada atenta de una testigo.<o:p></o:p></span></p>Álvaro Sánchezhttp://www.blogger.com/profile/01964966623992339429noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-3732144510635180263.post-64060405222279096462008-02-03T23:47:00.001+01:002008-02-06T19:19:34.522+01:00Inmaculada Concepción (Vicente Macip, 1531-1535)<div style="TEXT-ALIGN: justify"><a onblur="try {parent.deselectBloggerImageGracefully();} catch(e) {}" href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhMw9xTIsw5r_8I8cjhPaMNI1JzxvVVWjiDNfgzUyKHvUFuYTDxYZcOIf8jRWI7YeVtyjXcnreqduJ8r_rDxyMVmBIory3AaGTSDImth0-sGXn1hPZ9oL06as1fbu5zP4SEuHl0yWMaxvAn/s1600-h/Vicente+macip.jpg"><img id="BLOGGER_PHOTO_ID_5162889685420208034" style="DISPLAY: block; MARGIN: 0px auto 10px; CURSOR: pointer; TEXT-ALIGN: center" alt="" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhMw9xTIsw5r_8I8cjhPaMNI1JzxvVVWjiDNfgzUyKHvUFuYTDxYZcOIf8jRWI7YeVtyjXcnreqduJ8r_rDxyMVmBIory3AaGTSDImth0-sGXn1hPZ9oL06as1fbu5zP4SEuHl0yWMaxvAn/s400/Vicente+macip.jpg" border="0" /></a><span lang="ES-TRAD">La atribución de este lienzo dedicado a </span><?xml:namespace prefix = st1 /><st1:personname productid="la Inmaculada Concepci?n"><st1:personname productid="la Inmaculada"><span lang="ES-TRAD">la Inmaculada</span></st1:personname><span lang="ES-TRAD"> Concepción</span></st1:personname><span lang="ES-TRAD"> de María ha traído de cabeza a los historiadores del arte durante siglos y es, posiblemente, uno de los aspectos más interesantes de la imagen, junto con su rica iconografía postrentina. En un principio, fue atribuida al valenciano Juan de Juanes, pero diversos estudios confieren su autoría al padre de éste, Vicente Macip (1480 – 1550), ya que los rasgos estilísticos de la pieza se acercan más a la obra pictórica del último.<?xml:namespace prefix = o /><o:p></o:p></span></div><br /><p class="MsoNormal" style="TEXT-ALIGN: justify"><span lang="ES-TRAD">La factura que encontramos en Macip es más apretada, los perfiles más duros, más solemnes las figuras y los plegados de las vestiduras más estrechas. El fondo dorado es un claro legado medieval, al igual que la utilización de filacterias (<span class="eacep1">cinta con inscripciones o leyendas, que suele ponerse en pinturas o esculturas, en epitafios, escudos de armas, etc.). De Juanes se vale de composiciones empleadas por su padre, pero de realización más suave, contornos menos firmes y más esfumados y blandos, lo que le diferencia de la representación escultora de Macip. También los plegados son más amplios y más luminoso el color en la versión del primero. El profesor Salas, estudioso de la imagen, notó analogías de la misma con el retablo de la catedral de Segorbe, lo que le llevó a interpretar que la inmaculada formó parte de este conjunto, fechado entre 1531 y 1535, años aceptados posteriormente en estudios como el de Díaz Padrón en 1982. Además, se basan en el argumento de que la imagen servía para reforzar el libro publicado en 1531 por Mosén Juan Gómez titulado <i>“Triunfo de </i></span></span><st1:personname productid="la Inmaculada"><span class="eacep1"><i><span lang="ES-TRAD">la Inmaculada</span></i></span></st1:personname><span class="eacep1"><i><span lang="ES-TRAD"> concepción de Nuestra Señora”</span></i></span><span class="eacep1"><span lang="ES-TRAD">. <o:p></o:p></span></span></p><div style="TEXT-ALIGN: justify"></div><p class="MsoNormal" style="TEXT-ALIGN: justify"><span class="eacep1"><span lang="ES-TRAD">Como ya mencionábamos antes, esta Inmaculada Concepción coincide con la idea de <i>la Purísima</i> descrita por Francisco Pacheco (</span></span><span lang="ES-TRAD">1564 – 1654), quien fija la iconografía respecto a esta representación mariana: <i>“No tiene niño en los brazos, antes tiene puestas las manos, cercada de sol, coronada de estrellas, la luna a sus pies, con el cordón de San Francisco a la redonda (…) Hase de pintar con túnica blanca y manto azul (…) vestida de sol, un sol ovado de ocre y blanco que cerque toda la imagen unido dulcemente con el cielo (…) debajo de los pies la luna (…) suélese poner en los altos del cuadro Dios padre o el Espíritu Santo, o ambos con las palabras del esposo”</i> (Arte de la pintura, T. II, Libro III, pp 209-212).<o:p></o:p></span></p><div style="TEXT-ALIGN: justify"></div><p class="MsoNormal" style="TEXT-ALIGN: justify"><a onblur="try {parent.deselectBloggerImageGracefully();} catch(e) {}" href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjjTEBKAvsOq6Xc243k3b-9qtV7iK6vODhGjtjceyIeOIg4HMokJcZHJQPmxL29tfjKrXkE39Qad6wDqb9sZj9-AkqaLyJIjOwMtwdYl_hD66WsFOAa9DkireEKk-PcIVV5qLCbovYxQE8-/s1600-h/Vicente+macip+copia.jpg"><img id="BLOGGER_PHOTO_ID_5162891454946734018" style="FLOAT: left; MARGIN: 0pt 10px 10px 0pt; CURSOR: pointer" alt="" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjjTEBKAvsOq6Xc243k3b-9qtV7iK6vODhGjtjceyIeOIg4HMokJcZHJQPmxL29tfjKrXkE39Qad6wDqb9sZj9-AkqaLyJIjOwMtwdYl_hD66WsFOAa9DkireEKk-PcIVV5qLCbovYxQE8-/s400/Vicente+macip+copia.jpg" border="0" /></a><span lang="ES-TRAD">La Inmaculada aparece con la mirada baja, descendida del cielo sobre un cuarto de luna y rodeada de los símbolos de las letanías lauretanas. En el siguiente link se puede leer la historia de las letanías y el texto tanto en latín como en castellano: <o:p></o:p></span></p><div style="TEXT-ALIGN: justify"></div><p class="MsoNormal" style="TEXT-ALIGN: center"><span lang="ES-TRAD"><a href="http://www.santorosario.net/espanol/letanias.htm">http://www.santorosario.net/espanol/letanias.htm</a><o:p></o:p></span></p><div style="TEXT-ALIGN: justify"></div><p class="MsoNormal" style="TEXT-ALIGN: justify"><span lang="ES-TRAD">La virgen coronada por la santísima trinidad fue una aportación iconográfica de la tradición española. En los siglos XV y XVI, la iconografía de <i>María Tota Pulcra </i>alcanza esta representación rodeada de sus símbolos.<o:p></o:p></span></p><div style="TEXT-ALIGN: justify"></div><p class="MsoNormal" style="TEXT-ALIGN: justify"><span lang="ES-TRAD">Las dos filacterias debajo del padre y del hijo dicen: <i>“Tota pulchra est amica mea… Et macula non est in te”,</i> esta frase esta sacada de el libro del Antiguo Testamento <i>El cantar de los cantares</i> que dice <i>“Eres del todo hermosa amada mía; no hay tacha en ti”</i> (Cantar de los cantares IV, 7).<span style="font-size:0;"> </span>Los símbolos se rodean de nuevas filacterias de la letanía lauretana:<o:p></o:p></span></p><div style="TEXT-ALIGN: justify"></div><p class="MsoNormal" style="TEXT-ALIGN: justify"><span lang="ES-TRAD"><o:p></o:p></span></p><div style="TEXT-ALIGN: justify"></div><ul style="MARGIN-TOP: 0cm; TEXT-ALIGN: justify" type="disc"><li class="MsoNormal" style="color:black;"><a onblur="try {parent.deselectBloggerImageGracefully();} catch(e) {}" href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjXtrrZJWBOs3gBx09PgwQvuhp6IWXpWir28QeGd6IvunnWbYhbkNirrqrENJLRMhzNsLERAttNwriho3jsmukJnvQ_V2fLCucE0jVUTq4P-bY8czcxHUbteLny7ZbXrdXuNd-ATkNDSAHL/s1600-h/Vicadsf.jpg"><img id="BLOGGER_PHOTO_ID_5162892069127057362" style="FLOAT: right; MARGIN: 0pt 0pt 10px 10px; CURSOR: pointer" alt="" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjXtrrZJWBOs3gBx09PgwQvuhp6IWXpWir28QeGd6IvunnWbYhbkNirrqrENJLRMhzNsLERAttNwriho3jsmukJnvQ_V2fLCucE0jVUTq4P-bY8czcxHUbteLny7ZbXrdXuNd-ATkNDSAHL/s400/Vicadsf.jpg" border="0" /></a><span lang="ES-TRAD">El ciprés con el lema: <i>“Sicyt Cypres in Syon”</i> (sacado de un himno litúrgico).<o:p></o:p></span></li><li class="MsoNormal" style="color:black;"><span lang="ES-TRAD">El Sol con el lema: <i>“Electa ut sole”</i> (cantar de los cantare VI, 9).<o:p></o:p></span></li><li class="MsoNormal" style="color:black;"><span lang="ES-TRAD">La puerta con el lema: <i>“Porta celi”</i> (Génesis XXVIII, 17).<o:p></o:p></span></li><li class="MsoNormal" style="color:black;"><span lang="ES-TRAD">La vara Florida con el lema: <i>“Virga Jesse floruit”</i> (Ezequiel VII, 10).<o:p></o:p></span></li><li class="MsoNormal" style="color:black;"><span lang="ES-TRAD">El pozo con el lema <i>“Puteus aquarum viventiun”</i> (Cantar de los cantares IV, 15).<o:p></o:p></span></li><li class="MsoNormal" style="color:black;"><span lang="ES-TRAD">El rosal con el lema: <i>“Rosa in Iherico”</i> (sacado de un himno litúrgico).<o:p></o:p></span></li><li class="MsoNormal" style="color:black;"><span lang="ES-TRAD">El olivo con el lema <i>“Oliva speciosa in caelum”</i> <o:p></o:p></span></li><li class="MsoNormal" style="color:black;"><span lang="ES-TRAD">El jardín cerrado con el lema: <i>“Hortus Conclusus”</i> (Cantar de los cantares IV, 12).<o:p></o:p></span></li><li class="MsoNormal" style="color:black;"><span lang="ES-TRAD">La estrella con el lema: <i>“Stella Maris”</i> (sacado de un himno litúrgico).<o:p></o:p></span></li><li class="MsoNormal" style="color:black;"><span lang="ES-TRAD">La ciudad con el lema: <i>“Civitas Dei”</i> (Salmo LXXXVI, 3).<o:p></o:p></span></li><li class="MsoNormal" style="color:black;"><span lang="ES-TRAD">La palmera con el lema: <i>“Palma in cades”</i> (sacado de un himno litúrgico).<o:p></o:p></span></li><li class="MsoNormal" style="color:black;"><span lang="ES-TRAD">El espejo con el lema: <i>“Speculum sine macula”</i> (Sabiduría VII, 26).<o:p></o:p></span></li><li class="MsoNormal" style="color:black;"><span lang="ES-TRAD">La torre de David con el lema” <i>Turris Davidica”</i> (Cantar de los cantares IV, 4).<o:p></o:p></span></li><li class="MsoNormal" style="color:black;"><span lang="ES-TRAD">El lirio con el lema<i>: “Lilium interspinas” </i>(Cantar de los Cantares IV, 4).<o:p></o:p></span></li><li class="MsoNormal" style="COLOR: black"><span lang="ES-TRAD">La fuente con el lema:<i> “Fons Signatus” </i>(Cantar de los cantares IV, 15).<o:p></o:p></span></li><li class="MsoNormal" color="black"><span lang="ES-TRAD">El cedro con el lema: <i>“Cedrus exaltata”</i> (Eclesiastés XXIV, 17).<o:p></o:p></span></li></ul><div style="TEXT-ALIGN: justify"></div><p class="MsoNormal" style="TEXT-ALIGN: justify"><span lang="ES-TRAD"><o:p></o:p></span></p><div style="TEXT-ALIGN: justify"></div><p class="MsoNormal" style="TEXT-ALIGN: justify"><span lang="ES-TRAD">La virgen está representada como la mujer apocalíptica de la visión de San Juan (Apocalipsis XII, 1-6). La imagen, como ya hemos dicho, responde a la nomenclatura <i>“Tota Pulchra”</i> y el áurea de sol que irradia hace que estas imágenes sean, a su vez llamadas, <i>“Amicta sole”</i>. En la imagen que nos presenta Macip, observamos que, ya no sólo se representa la asunción de la virgen a los cielos en cuerpo y alma, si no que Padre, hijo y espíritu santo la reciben y la coronan como reina de los cielos. Por tanto, se funde la asunción con la coronación de la virgen. En la parte superior, tanto a la derecha como a la izquierda, se vislumbran querubines que hacen de testigos de la escena y a la vez representan la divina corte celeste.<o:p></o:p></span></p><div style="TEXT-ALIGN: justify"></div><p class="MsoNormal" style="TEXT-ALIGN: justify"><span lang="ES-TRAD">Esta tipología de asunción de María rompe con la anterior que se venía desarrollando desde los inicios de la edad media, la cual representaba la concepción sin pecado de la virgen mediante el abrazo en la puerta dorada de Jerusalén, significando el beso entre los padres de la virgen su concepción sin pecado.<o:p></o:p></span></p><div style="TEXT-ALIGN: justify"></div><p class="MsoNormal" style="TEXT-ALIGN: justify"><a onblur="try {parent.deselectBloggerImageGracefully();} catch(e) {}" href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgl2UxB_pEl5akX87kEnv_2dXTDHeR8N0bHkpLWhaf-OiRGl1N8s88Sk6YWzf9iJS4pd3IVvv6gakSXCl5fw7AJNSArhyphenhyphenEgS_prMrI0gR85JTEweUWMcrXS6r6m7Q_-C41PRLlnk1WIe_aT/s1600-h/inmaculada+de+Ribera.jpg"><img id="BLOGGER_PHOTO_ID_5162890810701639602" style="FLOAT: right; MARGIN: 0pt 0pt 10px 10px; CURSOR: pointer" alt="" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgl2UxB_pEl5akX87kEnv_2dXTDHeR8N0bHkpLWhaf-OiRGl1N8s88Sk6YWzf9iJS4pd3IVvv6gakSXCl5fw7AJNSArhyphenhyphenEgS_prMrI0gR85JTEweUWMcrXS6r6m7Q_-C41PRLlnk1WIe_aT/s400/inmaculada+de+Ribera.jpg" border="0" /></a><span lang="ES-TRAD">La iconografía y literatura renacetista tras el Concilio de Trento y la barroca en especial exaltaron la figura de la divina concepción de la virgen María en reacción contra las difamaciones vertidas por protestantes como Lutero que negaban la encarnación sin pecado de la madre de Cristo. Artistas como Alonso Cano, Franciso Zurbarán, José Ribera (podemos verla a la derecha), El Greco o Murillo crearan lienzos con imágenes impactantes de la Inmaculada Concepción de la virgen María. </span><div style="TEXT-ALIGN: justify"></div><span lang="ES-TRAD">Por último, la literatura de la época moderna también nos deja bellos textos exaltando la pureza del origen de Maria:<o:p></o:p></span><p></p><div style="TEXT-ALIGN: justify"></div><div style="TEXT-ALIGN: justify"></div><p class="MsoNormal" style="LINE-HEIGHT: 12pt; TEXT-ALIGN: center"><span lang="ES-TRAD"><span style="FONT-STYLE: italic">¿Luego en gracia puede ser</span> <span style="FONT-STYLE: italic">redimida y concebida?</span> <span style="FONT-STYLE: italic"><br />Sí, pues con eterno aviso,</span> <span style="FONT-STYLE: italic">ni lo extraño ni lo dudo,</span> <span style="FONT-STYLE: italic"><br />Dios quiso hacer cuanto pudo</span> <span style="FONT-STYLE: italic">y pudo hacer cuanto quiso.<br /></span><span style="FONT-STYLE: italic">¿Luego que sea es preciso</span> <span style="FONT-STYLE: italic">esta Virgen escogida</span> <span style="FONT-STYLE: italic">para Madre,<br />preferida</span> <span style="FONT-STYLE: italic">en todo, siendo en su estado</span> <span style="FONT-STYLE: italic">concebida sin pecado,</span> <span style="FONT-STYLE: italic">y con sangre redimida?<br /></span><span style="FONT-STYLE: italic">...</span> <span style="FONT-STYLE: italic"><br />Pues victoriosos nos vemos</span> <span style="FONT-STYLE: italic">con el eterno blasón</span> <span style="FONT-STYLE: italic"><br />de esta pura Concepción,</span> <span style="FONT-STYLE: italic">al Cielo mil gracias demos.</span> <span style="FONT-STYLE: italic"><br />Himnos en su honor cantemos,</span> <span style="FONT-STYLE: italic">por tal dicha, gloria tal.</span> <span style="FONT-STYLE: italic"><br />Esta Niña Celestial,</span> <span style="FONT-STYLE: italic">de los Cielos escogida,</span> <span style="FONT-STYLE: italic"><br />es la sola concebida</span> <span style="FONT-STYLE: italic">sin pecado original.</span></span><span lang="ES-TRAD" style="FONT-WEIGHT: bold"><br />Pedro Calderón de </span><st1:personname style="FONT-WEIGHT: bold" productid="la Barca"><span lang="ES-TRAD">la Barca</span></st1:personname><span lang="ES-TRAD"><span style="FONT-WEIGHT: bold"></span><o:p></o:p></span></p><div style="TEXT-ALIGN: justify"></div><p class="MsoNormal" style="LINE-HEIGHT: 12pt; TEXT-ALIGN: justify"><b><span lang="ES-TRAD"><o:p></o:p></span></b></p><div style="TEXT-ALIGN: justify"></div><p class="MsoNormal" style="LINE-HEIGHT: 12pt; TEXT-ALIGN: justify"><span lang="ES-TRAD">O este precioso himno de Lope de Vega:</span><b><span lang="ES-TRAD"><o:p></o:p></span></b></p><div style="TEXT-ALIGN: justify"></div><div style="TEXT-ALIGN: justify"></div><p class="MsoNormal" style="LINE-HEIGHT: 12pt; TEXT-ALIGN: center"><span lang="ES-TRAD" style="FONT-STYLE: italic">Hermosa Virgen, cuando el templo santo<br />de Salomón se edificó, ni oído<br />golpe tocó, ni fue jamás sentido<br />que la posteridad cubrió de espanto.<br />Ni se tocó su religioso manto<br />por guerra alguna en el marcial vestido,<br />ni el pacífico trono esclarecido<br />humanas armás se atrevieron tanto.<br />Vos, pues, cuando en el claustro soberano<br />de vuestra madre, o Reina, previnísteis<br />a Dios el templo que labró su mano,<br />libre del golpe de la culpa fuísteis,<br />ni contra Vos se levantó tirano,<br />que, desde que Él lo dijo, le vencísteis.</span><span lang="ES-TRAD" style="FONT-WEIGHT: bold"><br />Lope de Vega</span><span lang="ES-TRAD"><o:p></o:p></span></p>Álvaro Sánchezhttp://www.blogger.com/profile/01964966623992339429noreply@blogger.com1tag:blogger.com,1999:blog-3732144510635180263.post-26825957513275427722008-01-27T18:08:00.000+01:002008-01-27T22:55:54.455+01:00Abrazo en la Puerta Dorada (Giotto di Bondone, 1304-1305)<div style="TEXT-ALIGN: justify"><a onblur="try {parent.deselectBloggerImageGracefully();} catch(e) {}" href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhlJb4QD_SnFeC1f-IbxgEns9fKqrAMPaucDIyC3lj56B58U3lCRBfFMkpWJENOcXCyIMPzISppEfcHghKaZtEpYxvrRirj7a-7cqhuxwqgag1zmPzQBLLwNy-s4kWJoVmTl7UBhJBQmCSs/s1600-h/mas+personas+2.jpg"><img id="BLOGGER_PHOTO_ID_5160206048119746370" style="DISPLAY: block; MARGIN: 0px auto 10px; CURSOR: pointer; TEXT-ALIGN: center" alt="" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhlJb4QD_SnFeC1f-IbxgEns9fKqrAMPaucDIyC3lj56B58U3lCRBfFMkpWJENOcXCyIMPzISppEfcHghKaZtEpYxvrRirj7a-7cqhuxwqgag1zmPzQBLLwNy-s4kWJoVmTl7UBhJBQmCSs/s400/mas+personas+2.jpg" border="0" /></a><span style="font-family:trebuchet ms;">La construcción de la capilla Scrovegni, también llamada la Capilla de la arena por estar próxima al circo romano de Padua, fue ordenada por Enrico Scrovegni con el objetivo de que la magnánima obra purgara de sus pecados a su padre usurero en la hora del juicio final. Fue dedicada a la virgen de la caridad y se encargó su levantamiento en 1303.</span><br /></div><p class="ecmsonormal" style="FONT-FAMILY: trebuchet ms; TEXT-ALIGN: justify"><a onblur="try {parent.deselectBloggerImageGracefully();} catch(e) {}" href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiZnwK_1S40xY3p7BLyJiTstIBHj-_Lo2UoTTDukxw9jQm3N3vRYaPUG5ArhYMTHW-kF3g3reXXGj1yYfS1yBy4ok4N6UDtYvN3LV-XOpkhhkAK-pZU1ZcV4nWFQELNHJx2ObuO_HOwOtxo/s1600-h/todo.jpg"><img id="BLOGGER_PHOTO_ID_5160206322997653330" style="FLOAT: right; MARGIN: 0pt 0pt 10px 10px; CURSOR: pointer" alt="" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiZnwK_1S40xY3p7BLyJiTstIBHj-_Lo2UoTTDukxw9jQm3N3vRYaPUG5ArhYMTHW-kF3g3reXXGj1yYfS1yBy4ok4N6UDtYvN3LV-XOpkhhkAK-pZU1ZcV4nWFQELNHJx2ObuO_HOwOtxo/s400/todo.jpg" border="0" /></a><span style="color:black;">Es un edificio gótico con función funeraria que pretende ser el mausoleo de la familia Scrovegni. Se compone de una sola nave de planta rectangular que cubre el edificio con una bóveda de cañón salvaguardada del exterior por una cubierta a dos aguas. Además, el edificio se entiba mediante unos estilados contrafuertes que refuerzan la pared.<br />En el interior de la capilla encontramos una decoración de un completo ciclo iconográfico del <i>Duocento</i> que iremos descubriendo poco a poco. la decoración fue encargada al artista Florentino Giotto di Bondone. Influido por Cimbaue, serña uno de los artistas que rompan con la tradición de bizancio e imponga nuevas iconografías. Hoy, nuestra primera parada es el abrazo en la puerta dorada de Jerusalén.<br />En primer lugar, analicemos los antecedentes y entendamos que historia precede a la imagen que estamos viendo.<br />Todo lo referente a la Natividad de la virgen y a su concepción se narra en los evangelios apócrifos, los cuales se inspiran en el antiguo testamento canónico. El pasaje está disponible en el link siguiente:<a href="http://escrituras.tripod.com/"><br /></a></span></p><div style="TEXT-ALIGN: center"><span style="color:black;"><a href="http://escrituras.tripod.com/">http://escrituras.tripod.com/</a><br /><br /></span></div><p class="ecmsonormal" style="FONT-FAMILY: trebuchet ms; TEXT-ALIGN: justify"><a onblur="try {parent.deselectBloggerImageGracefully();} catch(e) {}" href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEinZf2Q41j91O4Pl9q9ucqAZ-qX85BizFrJISOkn_CcaE_Fk4-XPRwEcO0jPyLummdFGpCWcUpE99dr1RlIenLVxAbNIWhJibZzVWV_f6U4Y13bvLONK74-5bDldYIQLpZV9BqrY8ezrzpN/s1600-h/pastor.jpg"><img id="BLOGGER_PHOTO_ID_5160208917157900178" style="FLOAT: right; MARGIN: 0pt 0pt 10px 10px; CURSOR: pointer" alt="" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEinZf2Q41j91O4Pl9q9ucqAZ-qX85BizFrJISOkn_CcaE_Fk4-XPRwEcO0jPyLummdFGpCWcUpE99dr1RlIenLVxAbNIWhJibZzVWV_f6U4Y13bvLONK74-5bDldYIQLpZV9BqrY8ezrzpN/s400/pastor.jpg" border="0" /></a><span style="color:black;">En resumen, habla de una pareja anciana considerada estéril que, después de una penitencia de cuarenta días y tras el anuncio de un ángel, conciben un hijo (La Virgen María). Lo que la imagen nos describe, tiene como fuente al protoevangelio apócrifo de Santiago cuya idea será reforzada por la <i>Leyenda Dorada de Santiago de la Vorágine</i>.</span><br />Que los padres de María no pudieran concebir, llevando casados ya 20 años era considerado por los judíos como una maldición por lo que la ofrenda que Joaquín lleva al templo de Jerusalén en la fiesta judía de la dedicación es rechazada por los sacerdotes. Esto provoca su humillación y lo acompleja, de forma que no se atreve a volver junto a su esposa y vaga por el desierto durante cuarenta días. Un ángel sale a su encuentro y le da la buena nueva de que sus ofrendas han sido elevadas hasta el trono de Dios y que sus deseos pronto se cumplirán, Ana concebirá. Ana, mientras está sumida en su llanto por la ausencia de su amado esposo, es afiliada por un ángel que le indica la Puerta Áurea de Jerusalén como lugar de unión. La imagen que vemos es el encuentro de Ana y Joaquín.<br /></p><p class="ecmsonormal" style="FONT-FAMILY: trebuchet ms; TEXT-ALIGN: justify"><a onblur="try {parent.deselectBloggerImageGracefully();} catch(e) {}" href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjvMJXn5UP6JYJpWkbQDyFL77WxhZopFQutmAooAuSVFFdXxzabnPEc_0lSo2DMqcHdSf30KWfii6sfnkT-YeWfxQ9zDDgjM1Lj42cRh4T7_Y7QOyz1IrSvM6Pxt9ev0BTVaAYqhQRUb48G/s1600-h/mas-adfadf.jpg"><img id="BLOGGER_PHOTO_ID_5160207276480393058" style="FLOAT: left; MARGIN: 0pt 10px 10px 0pt; CURSOR: pointer" alt="" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjvMJXn5UP6JYJpWkbQDyFL77WxhZopFQutmAooAuSVFFdXxzabnPEc_0lSo2DMqcHdSf30KWfii6sfnkT-YeWfxQ9zDDgjM1Lj42cRh4T7_Y7QOyz1IrSvM6Pxt9ev0BTVaAYqhQRUb48G/s400/mas-adfadf.jpg" border="0" /></a>Progenitores, aparecen abrazados y besándose, momento en el cual se consideraba que Santa Ana concibió a la Virgen, porque, según los cánones eclesiásticos, María fue inmaculada (concebida sin pecado). Una serie de figuras femeninas miran el momento a excepción de una que se tapa con el velo. Hay quienes han querido interpretar en esta figura la personificación de la sinagoga (multitud de veces con los ojos vendados) que niega la venida mesiánica de Cristo. La única figura masculina que encontramos está a mano izquierda y puede que se trate de un pastor como referencia a los pastores con los que tiene relación Joaquín en el desierto.<br /><span style="color:black;">Una característica de Giotto es su escasa utilización del pan de oro (al contrario que en otros países, como España), pues lo emplea sólo en los nimbos que dan el don de santidad a las figuras. Los nimbos además son de pastillaje, una técnica que emplea relieves de yeso sobre los que se aplica el pan de oro para fingir mayor riqueza. Esta técnica italiana se empleó mucho, precisamente, en las regiones levantinas. Gracias a esa escasez de pan de oro tenemos de fondo un maravilloso paisaje, con unos rasgos profundos, como torres o murallas, de una república italiana medieval.<br /></span><a onblur="try {parent.deselectBloggerImageGracefully();} catch(e) {}" href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjXYRjrKL4-gIVkKE89XsfIqlKWmLBoyWrAPQw7Jo6Nk0jUdp-quK53Tg_tEvhKDJzuKJ4Qcd2UKHkUJ24Nb2sWdHvDGUWkfOA-CBBhV62QvWNkutQ8zeilEGh-ly0aGXqczmBLsx8FIWTL/s1600-h/persona.jpg"><img id="BLOGGER_PHOTO_ID_5160208036689604466" style="FLOAT: right; MARGIN: 0pt 0pt 10px 10px; CURSOR: pointer" alt="" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjXYRjrKL4-gIVkKE89XsfIqlKWmLBoyWrAPQw7Jo6Nk0jUdp-quK53Tg_tEvhKDJzuKJ4Qcd2UKHkUJ24Nb2sWdHvDGUWkfOA-CBBhV62QvWNkutQ8zeilEGh-ly0aGXqczmBLsx8FIWTL/s400/persona.jpg" border="0" /></a><span style="font-family:trebuchet ms;">Además, la figura de Giotto se define por la dinámica interrelación entre cuerpo y vestidura. Los dos aspectos se unen para formarla. Giotto reconoció que las vestiduras debían reflejar el movimiento corporal. Para conseguirlo, desecha el color plano con el fin de dar un mayor realismo a la obra.<br />Por último, para entender la importancia de Giotto en el arte, cito un texto de Giovanni Boccaccio: </span><i style="font-family:trebuchet ms;"><span style="color:black;">“El otro, llamado Giotto, tenía un espíritu tan sublime que entre todas las cosas que la madre naturaleza ha producido bajo la órbita del cielo no había una sola que no hubiera reproducido con lápiz y pluma con tanta fidelidad que su obra no pareciera ser la imagen del objeto, sino el objeto mismo, hasta el punto de que muchas veces en sus obras el sentido humano de la vista se equivocaba y consideraba que era real lo que solo estaba pintado”.</span></i></p>Álvaro Sánchezhttp://www.blogger.com/profile/01964966623992339429noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-3732144510635180263.post-20510881803937653072008-01-24T02:18:00.000+01:002008-01-27T18:35:41.404+01:00Guernica (Pablo Ruíz Picasso, 1937)<div style="text-align: justify;"><a onblur="try {parent.deselectBloggerImageGracefully();} catch(e) {}" href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEh-A72R3C6pKM5gPBw_reAHiUKd2j_LmFGdGkhfWxwUqBVrWyuC-M6jNxOrQgbt-irKiqmJKCj3nyHaQxcg7cKEu4nuZVATiDKq9xaLkXg5U-AuiVuO8nxUIQcTqnakb8mbKvVWhqReSqBN/s1600-h/Guernica2.jpg"><img style="margin: 0px auto 10px; display: block; text-align: center; cursor: pointer;" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEh-A72R3C6pKM5gPBw_reAHiUKd2j_LmFGdGkhfWxwUqBVrWyuC-M6jNxOrQgbt-irKiqmJKCj3nyHaQxcg7cKEu4nuZVATiDKq9xaLkXg5U-AuiVuO8nxUIQcTqnakb8mbKvVWhqReSqBN/s400/Guernica2.jpg" alt="" id="BLOGGER_PHOTO_ID_5159173420102786802" border="0" /></a>Los años treinta y cuarenta son una conmoción para los artistas que habitan en el Parías de la época como Joan Miró o Pablo Picasso por la guerra civil española y la segunda guerra mundial. La sensibilidad republicana de Picasso cobra aún mas vida con los acontecimientos que a su lectura llega a través de los periódicos franceses. Estos hechos hacen aflorar una sensibilidad artística en el pintor que ya había demostrado en su juventud. Los recursos del cubismo, como el solapamiento del rostro de frente y de perfil, son aprovechados con criterio expresionista para evocar las monstruosidades de la guerra. Este rasgo picasiano lo encontraremos en el futuro en artistas como Lucian Freud o Francis Bacon. Este gran mural (349,3 por 776,6centímetros) fue encargado por la república española al frente Manuel Azaña para ser pieza estelar en el pabellón de España de la exposición Universal de París en 1937, en el que también contribuyeron artistas como Miró.<br /></div><div style="text-align: justify;"><br /><a onblur="try {parent.deselectBloggerImageGracefully();} catch(e) {}" href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiB3GtBHFq6mqNMo4JKzVgTcCi-Yz95HVY4uDyn0I-5QOKsi0BpIPN65VD4Xwn8Mss0g961eMBNGoOff88fIlZ__gwBv6GTRiahhyEtl4XVI5bc-ve-aLcnd46uqUXb5yC7zGX7Qz75pdJz/s1600-h/guernicabombardeadalw.jpg"><img style="margin: 0pt 0pt 10px 10px; float: right; cursor: pointer;" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiB3GtBHFq6mqNMo4JKzVgTcCi-Yz95HVY4uDyn0I-5QOKsi0BpIPN65VD4Xwn8Mss0g961eMBNGoOff88fIlZ__gwBv6GTRiahhyEtl4XVI5bc-ve-aLcnd46uqUXb5yC7zGX7Qz75pdJz/s400/guernicabombardeadalw.jpg" alt="" id="BLOGGER_PHOTO_ID_5159174669938269954" border="0" /></a>La legión <i style="">“Condor” </i>de la aviación alemana bombardeó la villa vasca de Guernica el 26 de abril de 1937, produciendo una auténtica masacre entre la población civil. El uno de mayo, Picasso recibe las primeras informaciones y fotografías. Lo que ve, le provoca tal impacto que en apenas un mes tiene listo el cuadro, con un estudio previo de esbozos y estudios previos. Este cuadro quizá sea uno de los mas tristes que un artista ha pintado jamás por lo que representa. Picasso al hablar del cuadro dijo estas palabras: <i style="">“No, la pintura no está hecha para decorar las habitaciones. Es un instrumento de guerra ofensivo y defensivo contra el enemigo</i>”. Picasso no lo consideró de sus grandes obras, quizá por la iconografía que se admiraba en él.<br />Lo primero que se percibe es la ausencia del color. El cuadro está basado en el blanco y el negro, puede que aludiendo al recuerdo de las fotografías e imágenes que el pintor visualizó de la masacre, que también estaban en estos colores, una elección que, además, imprime mayor dramatismo a la obra.<br /><br /><a onblur="try {parent.deselectBloggerImageGracefully();} catch(e) {}" href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEht53cy7xSYu5YTLoghKPDWexusr_tUgjQSpAqA2wzi6RcYdsnYZOyC8dsaMFwEBh8T8ciL3bF_Cz2cnJ4XEkAHIoKN9GOh95PDofD_VSl1XOUxFOLtpyp5KzngKq4f3fXJ0Gl3rLHIL6AY/s1600-h/mujer1.jpg"><img style="margin: 0pt 10px 10px 0pt; float: left; cursor: pointer; width: 263px; height: 245px;" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEht53cy7xSYu5YTLoghKPDWexusr_tUgjQSpAqA2wzi6RcYdsnYZOyC8dsaMFwEBh8T8ciL3bF_Cz2cnJ4XEkAHIoKN9GOh95PDofD_VSl1XOUxFOLtpyp5KzngKq4f3fXJ0Gl3rLHIL6AY/s400/mujer1.jpg" alt="" id="BLOGGER_PHOTO_ID_5159175632010944274" border="0" /></a>Analizando la obra de derecha a izquierda, lo primero que nos impacta es el trágico grito de auxilio de una mujer con las manos extendidas al cielo. Sobre ella, en el dintel de las puertas, afloran unas llamas triangulares, que evocan los devastadores efectos de las bombas.<br />Continuando, una mano con un candelabro encendido (aludiendo quizá al las llamas del fuego) entra por el vano, como si todo se tratase de un sueño, al igual que lo hace una cabeza femenina que mira espantada los horrores de la guerra. Bajo la ventana, un joven, corre gimiendo de dolor, arrastrando como puede sus miembros medio amputados por la masacre.<br /><br /><a onblur="try {parent.deselectBloggerImageGracefully();} catch(e) {}" href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEioSRXFpB7eEU0zTilQaD28BR4Gq47QEyEPcVoZuATg5HvBhTz8Bo2vSTijTIu1imLhq0J8TrQX3xl9V3Bl8DHLwAxTAoqABzmlMdflYR7SBGBWY5awiX9rQp3-b2DZGYZAe1OTfAIoqQUj/s1600-h/brazo.jpg"><img style="margin: 0pt 0pt 10px 10px; float: right; cursor: pointer;" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEioSRXFpB7eEU0zTilQaD28BR4Gq47QEyEPcVoZuATg5HvBhTz8Bo2vSTijTIu1imLhq0J8TrQX3xl9V3Bl8DHLwAxTAoqABzmlMdflYR7SBGBWY5awiX9rQp3-b2DZGYZAe1OTfAIoqQUj/s400/brazo.jpg" alt="" id="BLOGGER_PHOTO_ID_5159176104457346850" border="0" /></a>El caballo, en el centro de la escena, grita atormentado como muestra del máximo dolor, y se retuerce a hacia el espectador para hacerlo partícipe de su sufrimiento. Su lengua recuerda a la forma de un cuchillo y, bajo él, observamos un brazo amputado, inerte, portando una espada quebrada, como muestra de la demencia de la guerra. A su vez lleva una flor, intentando transmitir la esperanza de que la paz venga. En el centro superior, un una lámpara encendida con forma de ojo es la única fuente de luz de la escena macabra, con lo que acentúa los contrastes blancos y oscuros con sombras del lienzo.<br /><br /><a onblur="try {parent.deselectBloggerImageGracefully();} catch(e) {}" href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgjO_LWv3AMqTlISDiw20kmg_KmPOlsFHwcRm7Ww1U4aiR4xBUdPhol-HTJtSF2dFIRUmYOyu4dMCIHT-sdOsKOlEj_mRUaKut8Qdc_Nf4SQvSdj9d2anwFirXY6Kr8fH6nXio-W56AJ3pa/s1600-h/mujer2.jpg"><img style="margin: 0pt 10px 10px 0pt; float: left; cursor: pointer;" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgjO_LWv3AMqTlISDiw20kmg_KmPOlsFHwcRm7Ww1U4aiR4xBUdPhol-HTJtSF2dFIRUmYOyu4dMCIHT-sdOsKOlEj_mRUaKut8Qdc_Nf4SQvSdj9d2anwFirXY6Kr8fH6nXio-W56AJ3pa/s400/mujer2.jpg" alt="" id="BLOGGER_PHOTO_ID_5159176340680548146" border="0" /></a>En la parte inferior izquierda un brazo se alarga, como queriendo alcanzar algo, quizá intentando aferrarse a su vida. Una cabeza degollada, muestra la última expresión de un decapitado. Una madre se esta arrodillando mientras grita y solloza hacia el cielo, sus ojos parecen dos lágrimas que se deforman de dolor, intentando que alguien la escuche, mientras porta el cuerpo sin vida de su hijo en brazos. Aquí, Picasso quiere reflejar que miles de vidas inocentes (como la del bebé en este caso) perecieron a causa de la acción bélica. Sobre ella, un toro fija sus ojos en el espectador, posiblemente como recuerdo de las primeras obras taurinas del pintor malagueño.<br />El 10 de septiembre de 1981, se instala en el Museo del Prado de Madrid, hasta que en 1992 se traslada definitivamente al Museo de Arte Reina Sofía.<br />Nunca antes, desde “La muerte de Marat”, de David, o “Las matanzas de Chios” de Delacroix, había conseguido la pintura semejante expresión trágica de lo contemporáneo con carácter universal.<br />Como anécdota: con París ocupada por los Nazis, hacia 1940, un oficial alemán le preguntó a Picasso que si era él el que había hecho eso. El respondió: <i style="">“No, han sido ustedes”</i>.<br /></div><br /><p class="MsoNormal"><span style="font-weight: bold;">Bibliografía:</span><br /><br /></p><ul><li> CALVO SERRALLER.: <i style="">Pablo Picasso. El Guernica.</i> Alianza, Madrid, 1981.</li><li>MARIN, J.: <i style="">Guernica ou le rapt des Ménines.</i> La Lagune, París, 1994.</li></ul>Álvaro Sánchezhttp://www.blogger.com/profile/01964966623992339429noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-3732144510635180263.post-13474209635820819832008-01-20T15:34:00.000+01:002008-01-27T18:36:20.134+01:00Mosaicos de San Apolinar del Puerto en Classe (hacia 550)<div style="text-align: justify;" align="justify"><a onblur="try {parent.deselectBloggerImageGracefully();} catch(e) {}" href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhzB3qMh3d-MukY7_MaLgJi1TCORrPPUNADqF-CVadJHngKEzFST-TW-KEdj3dE0nfWlz7LQHuLoKYAZ6hHQ9Nb_UYPhk9d1A1Tk-9lPVKUQm5tsBYXbEVd48mJokw8EPNFtz_i_76q9y2j/s1600-h/general.jpg"><span style="font-family:courier new;"><img id="BLOGGER_PHOTO_ID_5157587849849203458" style="margin: 0px auto 10px; display: block; cursor: pointer; text-align: center;" alt="" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhzB3qMh3d-MukY7_MaLgJi1TCORrPPUNADqF-CVadJHngKEzFST-TW-KEdj3dE0nfWlz7LQHuLoKYAZ6hHQ9Nb_UYPhk9d1A1Tk-9lPVKUQm5tsBYXbEVd48mJokw8EPNFtz_i_76q9y2j/s400/general.jpg" border="0" /></span></a><span style=";font-family:courier new;font-size:100%;" ><span style="font-family:trebuchet ms;">Se trata de una iglesia que se encuentra en el suburbio de Classe, en las proximidades de Rávena, y guarda cierta similitud en cuanto a la arquitectura paleocristiana. Es una iglesia de tres naves: la central, mayor en anchura y altura, termina en un ábside enmarcado por un gran arco triunfal. El edificio se sustenta sobre columnas clásicas con magníficos capiteles culminados en arco de medio punto. El edificio se cubre con cubierta de madera a dos aguas. En un principio, San Apolinar albergaba sus reliquias, pero, por temor a la invasión de la ciudad por parte de los islámicos, un nuevo templo fue construido lejos del conjunto portuario de Classe, que dio como resultado la iglesia de San Apolinar el Nuevo.</span><o:p></o:p></span></div><p class="ecmsonormal" style="text-align: justify;font-family:trebuchet ms;" align="justify"><span style="font-size:100%;"><a onblur="try {parent.deselectBloggerImageGracefully();} catch(e) {}" href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiZD-loJvSj5cKAMZEm5MkTqV8mJ8laKbyGllTuvJV_SwMvV-HxuNyWjJFpydVJESm6nmM_bJm05THod_pBEVaDRQpQCzuM2JWT9nvDnkJ7crfye0PV6OZyk5J5DtmUhpbGIjTBv-hymjoO/s1600-h/pajaros.jpg"><img id="BLOGGER_PHOTO_ID_5157627621997020786" style="margin: 0pt 10px 10px 0pt; float: left; cursor: pointer;" alt="" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiZD-loJvSj5cKAMZEm5MkTqV8mJ8laKbyGllTuvJV_SwMvV-HxuNyWjJFpydVJESm6nmM_bJm05THod_pBEVaDRQpQCzuM2JWT9nvDnkJ7crfye0PV6OZyk5J5DtmUhpbGIjTBv-hymjoO/s400/pajaros.jpg" border="0" /></a></span><span style="font-size:100%;">El ábside de San Apolinar en Classe tiene un gran carácter dogmático y simbólico. En el centro inferior del ábside, de estilo claramente bizantino, aparece Apolinar en posición orante. Este símbolo iconográfico del mártir, en ocasiones entre sus discípulos, podemos encontrarlo si nos remontamos a los tiempos antiguos de las catacumbas y, más tarde, de los martyria paleocristianos. La posición se adquiere a la hora de orar por la salvación del alma. Forma Parte del ciclo de la recomendación del alma. Como vemos, el santo se encuentra en medio de un espléndido jardín de múltiples árboles y frutos de los cuales picotean diversas aves, que simbolizan la Eucaristía (Apocalipsis XXII, 1-5). El jardín en conjunto es un símbolo del paraíso. Además, observamos que San Apolinar se sitúa entre doce ovejas que, en principio, podrían interpretarse como los doce apóstoles de Cristo, pero que, en este caso, son reflejo de los primeros cristianos de Rávena. Esta iconografía era poco habitual en el siglo VI, pero quizá se tomó como fuente un texto de Pedro Crisólogo que comparaba al santo como un pastor de ovejas.<br /></span></p><span style=";font-family:trebuchet ms;font-size:100%;" ><o:p></o:p></span><p class="ecmsonormal" style="text-align: justify;font-family:trebuchet ms;" align="justify"><span style="font-size:100%;"><a onblur="try {parent.deselectBloggerImageGracefully();} catch(e) {}" href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEghkqqirso-RrjzBBvq6Eb01lL2tjxS7LxtbBW8TB956IF_iu3eEBln8XVF9WycsHoOO1dRfPMguW85te6QNzOOxKNLihw7A3srnWkb0YqmWnZEWPvDu1Bc89ytkT1at9MvsADoD887cbO5/s1600-h/boveda.jpg"><img id="BLOGGER_PHOTO_ID_5157589593605925666" style="margin: 0pt 0pt 10px 10px; float: right; cursor: pointer;" alt="" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEghkqqirso-RrjzBBvq6Eb01lL2tjxS7LxtbBW8TB956IF_iu3eEBln8XVF9WycsHoOO1dRfPMguW85te6QNzOOxKNLihw7A3srnWkb0YqmWnZEWPvDu1Bc89ytkT1at9MvsADoD887cbO5/s400/boveda.jpg" border="0" /></a></span><span style="font-size:100%;">Sobre el santo observamos una imagen que mezcla lo narrativo y lo simbólico. Se trata de la transfiguración de Cristo: <i>“Seis días después, Jesús tomó a Pedro, Santiago y Juan, y los llevó a ellos solos a un monte elevado Sus vestiduras se volvieron resplandecientes, tan blancas como nadie en el mundo podría blanquearlas. Allí se transfiguró en presencia de ellos. Y se les aparecieron Elías y Moisés, conversando con Jesús. Pedro dijo a Jesús: ‘Maestro, ¡qué bien estamos aquí! Hagamos tres carpas, una para ti, otra para Moisés y otra para Elías‘. Pedro no sabía qué decir, porque estaban llenos de temor. Entonces una nube los cubrió con su sombra, y salió de ella una voz: ‘Este es mi Hijo amado, escuchadlo’. De pronto miraron a su alrededor y no vieron a nadie, sino a Jesús solo con ellos. Mientras bajaban del monte, Jesús les prohibió contar lo que habían visto, hasta que el Hijo del hombre resucitara de entre los muertos. Ellos cumplieron esta orden, pero se preguntaban qué significaría ‘resucitar de entre los muertos’...”</i> (Marcos IX, 1-13).<br /></span></p><p class="ecmsonormal" style="text-align: justify;font-family:trebuchet ms;" align="justify"><span style="font-size:100%;"><a onblur="try {parent.deselectBloggerImageGracefully();} catch(e) {}" href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEheb_-IX4lSoC_WS04EkbbqRlJRwv7HYshpQGsjgQ863EuAHwfvDl0rmJi8rA6z2mZAWuhkQFZTpwiwDWhDHPDBl8X3itwGPDzg6pb_XSmoEJzy8rYPA-Hess2UbikilmnJWWMuvNCm-2eK/s1600-h/cruz.jpg"><img id="BLOGGER_PHOTO_ID_5157629898329687698" style="margin: 0pt 0pt 10px 10px; float: right; cursor: pointer;" alt="" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEheb_-IX4lSoC_WS04EkbbqRlJRwv7HYshpQGsjgQ863EuAHwfvDl0rmJi8rA6z2mZAWuhkQFZTpwiwDWhDHPDBl8X3itwGPDzg6pb_XSmoEJzy8rYPA-Hess2UbikilmnJWWMuvNCm-2eK/s400/cruz.jpg" border="0" /></a></span><span style="font-size:100%;">En el centro, a lo alto, surge la mano divina de Dios padre de entre las nubes, que señala un medallón repleto de estrellas en medio de la bóveda estrellada, emana una cruz llena de piedras preciosas, la cual lleva el retrato de un Jesús a la manera siríaca (barbado) en la intersección de los brazos. A ambos lados del testero de la cruz, aparecen el alfa y el omega<span style="color:black;"> </span>que simbolizan el principio y el fin y que son símbolo de eternidad al igual que el círculo del medallón, ya que un círculo es algo eterno. Encima de la cruz, se lee "ijzus" (transcrito al castellano),<span style="color:black;"> </span>que en griego significa pez, y, en acróstico, emana de cada letra una palabra que forma la siguiente frase: Jesús Cristo, hijo de Dios salvador. A los pies de la cruz, se lee en latín <i>Salus Mundi</i>, aludiendo a que Cristo es el salvador del mundo. A ambos lados del medallón pueden verse los profetas Moisés y Elías. Moisés representa la ley antigua y Elías es el máximo profeta. Más abajo, entre el bosque, tres ovejas miran hacia la cruz, simbolizando a los tres apóstoles que toman parte en la transfiguración de la que antes hablábamos: Pedro, Juan y Santiago. Esta versión cambia la figura de Cristo por la de una cruz con una pequeñísima imagen suya. La cruz con piedras se refiere a la cruz Gemmata: Santa Helena, mujer de Constantino, encontró la vera cruz y la mandó recubrir de plata y de piedras preciosas. La bóveda estrellada hace referencia al texto de mateo XXIV, 30: “<i>Entonces aparecerá en el cielo la señal del Hijo del hombre. Todas las razas de la tierra se golpearán el pecho y verán al Hijo del hombre venir sobre las nubes del cielo, lleno de poder y de gloria”</i><span class="bart">.</span> Esto es un anuncio del juicio final, la segunda venida de Cristo. Concluimos, pues, en que la escena representada es la representación de que el perdón de los pecados se obtiene gracias al sacrificio de Cristo y San Apolinar, orante intercede por sus fieles ante el crucificado para que las almas lleguen al paraíso.<br /></span></p><p class="ecmsonormal" style="text-align: justify;font-family:trebuchet ms;" align="justify"><span style="font-size:100%;">Bajo esta compleja escena iconográfica y entre el cuerpo de ventanas del ábside retratados en nichos y coronados con coronas votivas, encontramos a las cuatro primeros obispos de Classe retratados en los mosaicos: Severus, Urso, Eclesio y Ursino. A modo de principio y cierre de la fila de ventanas, encontramos dos imágenes que representan sacrificios, el sacrificio de Isaac, y en el lado opuesto el sacrificio del paan y vino del sacerdote-rey de Melquisedec.</span></p><p class="ecmsonormal" style="text-align: justify;font-family:trebuchet ms;" align="justify"><span style="font-size:100%;">El arco triunfal donde se enmarca el ábside también tiene una interesante iconografía en sus mosaicos. Empecemos a analizarlo en registros horizontales desde la parte inferior hacia la parte alta. En primera instancia encontramos a Pedro y Pablo.<br /></span></p><div style="text-align: justify;font-family:trebuchet ms;" align="justify"><span style="font-size:100%;"><a onblur="try {parent.deselectBloggerImageGracefully();} catch(e) {}" href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEia9BzqbOCdPhJcAY1_I3nDlAK8KfkG7qr7skklO6Lb6eNw5cq2jOg_0RQNAfY2pmA-jZyMOKMih4pAOawiisetEu6EB0JESohpmZ9-f_QNnwViHp2RyfLlTSAC7fRyuYaI48CDXvNKS8dr/s1600-h/alzado.jpg"><img id="BLOGGER_PHOTO_ID_5157590615808142130" style="margin: 0pt 0pt 10px 10px; float: right; cursor: pointer;" alt="" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEia9BzqbOCdPhJcAY1_I3nDlAK8KfkG7qr7skklO6Lb6eNw5cq2jOg_0RQNAfY2pmA-jZyMOKMih4pAOawiisetEu6EB0JESohpmZ9-f_QNnwViHp2RyfLlTSAC7fRyuYaI48CDXvNKS8dr/s400/alzado.jpg" border="0" /></a></span><span style="font-size:100%;">Sobre ellos vemos a los arcángeles Gabriel y Miguel vestidos a la manera imperial, portando enseñas con la triple hagios, símbolo de la santa Trinidad, añadiendo al conjunto solemnidad. Sobre ellos, se alzan dos palmeras que dan sus frutos, nueva alusión a la Eucaristía citada en Apocalipsis XXII, 1-5. En el registro siguiente doce ovejas salen de unas puertas que parecen murallas, que quizás representen a Jerusalén y Belén, y que parece que ascienden por una verde montaña hacia el registro superior en el que se representa la visión apocalíptica de San Juan (Apocalipsis IV, 2-11). Se nos muestra este último registro envuelto en nubes, en el centro, rodeado de un círculo que simboliza eternidad y encontramos a Cristo con su característica nimbo crucífero y portando el libro de los siete sellos apocalípticos. Alrededor de él se sitúan los tetramorfos alados, portando los evangelios y dirigiéndose hacia Cristo<span style="color: rgb(0, 0, 0);"> (el tetramorfos al adoptar cuatro formas diferentes podemos descifrar que toma la iconografía de la visión apocalíptica de Juan y no la del profeta Ezequiel que describe al tetramorfos como cuatro seres con 4 formas cada uno).</span></span></div><div style="text-align: justify;" align="justify"><span style="font-family:courier new;"><span style=";font-family:trebuchet ms;font-size:100%;" >Gracias a esta serie de mosaicos podemos disfrutar de la complejidad iconográfica y simbólica que nos brinda el arte bizantino.<br /><br /></span></span></div><div style="text-align: justify;" align="justify"><span style="font-family:Trebuchet MS;"></span> </div><div style="text-align: justify;" align="justify"><span style="font-family:Trebuchet MS;"></span> </div><div style="text-align: justify;" align="justify"><span style="font-family:courier new;"><span style="font-family:Trebuchet MS;"></span></span></div><div style="text-align: justify; font-weight: bold;" align="justify"><span style="font-family:Trebuchet MS;">Bibliografía:</span></div><div style="text-align: justify;" align="justify"> </div><ul><li><div style="text-align: justify;" align="justify"><span style=";font-family:Trebuchet MS;font-size:100%;" >SAS-ZALOZIECKY, W. <em>Arte Bizantino</em>. Moretón, Bilbao, 1967.</span></div></li><li><div style="text-align: justify;" align="justify"><span style=";font-family:Trebuchet MS;font-size:100%;" >ROCCASALVA FIRENZE MIRELLA. <em>L' icona. Manuale di iconografia bizantina</em>. Istina, Roma. 2005.</span></div></li><li><div style="text-align: justify;" align="justify"><span style=";font-family:Trebuchet MS;font-size:100%;" >GRABAR, A. <em>L'Iconoclasme bizantin.</em> Flammarion, Paris, 1984.</span></div></li></ul><div style="text-align: justify;" align="justify"><span style="font-family:Trebuchet MS;"></span></div>Álvaro Sánchezhttp://www.blogger.com/profile/01964966623992339429noreply@blogger.com1tag:blogger.com,1999:blog-3732144510635180263.post-6437522012877239182007-12-31T16:38:00.000+01:002008-01-25T01:32:59.361+01:00Anunciación de Castello (Sandro Botticelli, 1489)<a onblur="try {parent.deselectBloggerImageGracefully();} catch(e) {}" href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjIgMUhztPkDI1tAmOJ1HarbA4TjaCaTLMcmqvOa4LvjeuRDhyphenhyphenyuljVfRQ08aMLGKDIMLb7m4hg1A_wn_sKp-ysMWPySibz3e7gMePGSVQT_3hzirxqgXRoUWHdwsKfFosKLujObDhGbw9W/s1600-h/anumciaci%C3%B3n2.jpg"><img id="BLOGGER_PHOTO_ID_5150160421920966082" style="DISPLAY: block; MARGIN: 0px auto 10px; CURSOR: pointer; TEXT-ALIGN: center" alt="" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjIgMUhztPkDI1tAmOJ1HarbA4TjaCaTLMcmqvOa4LvjeuRDhyphenhyphenyuljVfRQ08aMLGKDIMLb7m4hg1A_wn_sKp-ysMWPySibz3e7gMePGSVQT_3hzirxqgXRoUWHdwsKfFosKLujObDhGbw9W/s400/anumciaci%C3%B3n2.jpg" border="0" /></a><br /><div><div style="TEXT-ALIGN: justify">La <i>Anunciación de Castello</i> es un temple sobre tabla renacentista. Es una de las obras religiosas más importantes del último periodo de Botticelli. Fue encargada por Ser Francesco Guardi, miembro de la burguesía media en Florencia, para decorar la capilla funeraria familiar situada en la iglesia del convento florentino de Castello (actualmente, iglesia de Santa María de Pazzi).<br /></div><div><div style="TEXT-ALIGN: justify"></div><p class="MsoNormal" style="TEXT-ALIGN: justify">La escena tiene lugar en una habitación sobria, de características clásicas, sin apenas mobiliario y muy estructurada en su arquitectura. Sus paredes de serena piedra gris contrastan con el rojo fortísimo de las baldas del suelo delimitadas por las gruesas juntas blancas que recuerdan a un enjalbiego. El pintor crea la brutal perspectiva de la obra con ellas y junto con la puerta enmarcada por un ancho dintel, cuyo fondo bien evoca un paisaje flamenco, el cual puede ser que el pintor conociese por las rutas comerciales entre Italia y Flandes. Esta magnífica búsqueda de la perspectiva hace que se pueda relacionar a Botticelli con Mantenga o Piero Della Francesca, quienes también perseguían perfeccionar dicha técnica para alejarse de los antiguos patrones góticos. </p><div style="TEXT-ALIGN: justify"></div><p class="MsoNormal" style="TEXT-ALIGN: justify"><a onblur="try {parent.deselectBloggerImageGracefully();} catch(e) {}" href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEg61ySdCgvYSMNPC642MCef-TGufhlx7Lf8RujbjU8z9qnG3x484or5aV7rgu2_UHdt1wopnthZc06R48uSbhvGy-wDB9AZO5kn0QQhggQ4uc1In_YLDmk9pIlvU8h0y6D0CJ9fCIasAg4N/s1600-h/manos.jpg"><img id="BLOGGER_PHOTO_ID_5150162689663698402" style="FLOAT: left; MARGIN: 0pt 10px 10px 0pt; CURSOR: pointer" alt="" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEg61ySdCgvYSMNPC642MCef-TGufhlx7Lf8RujbjU8z9qnG3x484or5aV7rgu2_UHdt1wopnthZc06R48uSbhvGy-wDB9AZO5kn0QQhggQ4uc1In_YLDmk9pIlvU8h0y6D0CJ9fCIasAg4N/s200/manos.jpg" border="0" /></a>En la habitación descrita, encontramos a la Virgen María y el ángel Gabriel que anuncia su embarazo.<span style="color:red;"> </span>Los agitados pliegues de la túnica del ángel, arrodillado a los pies de María, indican su reciente llegada, mientras que ella, erguida a la derecha, se inclina hacia él ligeramente contorsionada y alza sus manos un poco hacia Gabriel, no como si quisiera defenderse, sino dándole la bienvenida. Al mismo tiempo, se aprecia que el ángel tiene la intención de tocar a María para hacerle llegar el mensaje, pues alarga su mano hacia la Virgen, pero Botticelli detiene el tiempo con el fin de captar maravillosamente ese momento y capturar el movimiento de manos, que desean tocarse, pero que, simultáneamente, mantienen una tímida distancia. </p><p class="MsoNormal" style="TEXT-ALIGN: justify"><a onblur="try {parent.deselectBloggerImageGracefully();} catch(e) {}" href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgYxIEWrVt1b5CvufUAEUrNoL2pVEZ0AdTQd72jZQAziMM8RQwgZTnkxUSsuoQLlQBlWKiUXeBo282VAJDppQIL-kZBmWvXqFZKeQS9MFWrGnOpw1E0YENI98JR5AZmn2YosOYADuGhth6Y/s1600-h/doble.jpg"><img id="BLOGGER_PHOTO_ID_5150162818512717298" style="FLOAT: right; MARGIN: 0pt 0pt 10px 10px; CURSOR: pointer" alt="" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgYxIEWrVt1b5CvufUAEUrNoL2pVEZ0AdTQd72jZQAziMM8RQwgZTnkxUSsuoQLlQBlWKiUXeBo282VAJDppQIL-kZBmWvXqFZKeQS9MFWrGnOpw1E0YENI98JR5AZmn2YosOYADuGhth6Y/s200/doble.jpg" border="0" /></a>La mano del ángel, alineada con el borde del dintel de la puerta, marca el espacio insalvable que existe entre ambas partes de la pintura, cada una reservada a sendas figuras, con una clara vertical que divide la imagen en dos. Ambos personajes tienen un sensacional aspecto escultórico reforzado por esos amplios paños que cubren sus cuerpos y que demuestran la calidad como dibujante del maestro.<br />Por último, la iconografía latente del temple es impecable. Por un lado, la llegada del ángel que porta el lirio blanco simboliza la pureza y virginidad de María. Por otro, según el evangelio de Lucas, el cuadro refleja el momento en el que el ángel llega y le dice a Maria <span style="COLOR: rgb(0,0,0)">“Salve! llena de gracia! Bendita tu entre todas las mujeres. El Espíritu Santo descenderá s</span><span style="COLOR: rgb(0,0,0)">obre ti y el poder del Altísimo te cubrirá con su sombra; por eso el niño santo que nacerá de ti será llamado Hijo de Dios”. </span>La virgen, que va a contestar al ángel medio dada la vuelta, <span style="font-size:0;"></span>se encontraba leyendo antes de su llegada,<span style="font-size:0;"> </span>tal y como marcan lo protoevangelios apócrifos.</p><p class="MsoNormal" style="TEXT-ALIGN: justify"></p><p class="MsoNormal" style="TEXT-ALIGN: justify">Bibliografía:</p><p class="MsoNormal" style="TEXT-ALIGN: justify"></p><ul><li><div class="MsoNormal" style="TEXT-ALIGN: justify"><span style="font-size:85%;">ARGAN, G.C.: Renacimiento y barroco. I. De Giotto a Leonardo da Vinci, Madrid, 1987 </span></div></li><li><div class="MsoNormal" style="TEXT-ALIGN: justify"><span style="font-size:85%;">McCORQUODALE, Ch.: The Renaissance. European Painting 1400-1600, Londres, 1994 </span></div></li></ul><div style="TEXT-ALIGN: justify"></div></div></div>Álvaro Sánchezhttp://www.blogger.com/profile/01964966623992339429noreply@blogger.com1tag:blogger.com,1999:blog-3732144510635180263.post-52684375845377444752007-12-23T01:44:00.001+01:002008-02-20T18:18:19.795+01:00El Arcángel San Miguel sacando a los ángeles rebeldes (Luca Giordano, 1666)<a onblur="try {parent.deselectBloggerImageGracefully();} catch(e) {}" href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhxiX9QadctCrSsavr5fyjMK-QxifFSNDdH3BPwtTS2Yy2P2Xgz5hs8c-SPXwD3zaZHiFPujZHkDi9kKaIIrgAQO8IYFWTdiqiX1wlA4-xj07anmTcG3xn9FsRHsVxKFN9rx2elY2kBlImb/s1600-h/archangelmichael1.jpg"><img style="margin: 0px auto 10px; display: block; text-align: center; cursor: pointer;" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhxiX9QadctCrSsavr5fyjMK-QxifFSNDdH3BPwtTS2Yy2P2Xgz5hs8c-SPXwD3zaZHiFPujZHkDi9kKaIIrgAQO8IYFWTdiqiX1wlA4-xj07anmTcG3xn9FsRHsVxKFN9rx2elY2kBlImb/s400/archangelmichael1.jpg" alt="" id="BLOGGER_PHOTO_ID_5148427991027549586" border="0" /></a><br /><div><div style="text-align: justify;">El derrumbamiento de los ángeles rebeldes es uno de los grandes temas de la contrarreforma eclesiástica, establecida a través del Concilio de Trento, pues sirve como modelo de la Iglesia militante de Cristo en su lucha contra las herejías (no hay que olvidar que la contrarreforma se basa en condenar las herejías y las nuevas religiones, como el protestantismo fundado por Martín Lutero).<br /></div><p style="text-align: justify;" class="MsoNormal"> Generalmente, se conoce como ángeles rebeldes a aquellos que siguieron a Lucifer en la sublevación contra Dios. Según las escrituras y la tradición de la Iglesia, estas criaturas eran originalmente ángeles buenos, que, al oponerse a Dios, se hicieron malos por voluntad propia y, con su maldad, arrastraron al hombre al pecado. La rebelión tuvo lugar en el momento de la creación, cuando las huestes angélicas se dividieron en dos ejércitos guiados por Lucifer y San Miguel. Esta escena está fuertemente ligada a la escena del Apocalipsis que describe la lucha de los ejércitos de Dios contra el dragón, que representa precisamente a Satanás.</p><p style="text-align: justify;" class="MsoNormal"><a onblur="try {parent.deselectBloggerImageGracefully();} catch(e) {}" href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEi9nR5ATcqM7sXp0eJ6msXaxz_6CJj596NhixQvDQ_lySJFZpzW64hf7GbEgzlRw_bYO_zBUqUPbLwMI33P_dyWLLjcLp7yWxZwHnY6u3ePrnrvk8kVGG997AClv_v3USeJzgIyyojq-reo/s1600-h/archangelmichael2.jpg"><img style="margin: 0pt 10px 10px 0pt; float: left; cursor: pointer;" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEi9nR5ATcqM7sXp0eJ6msXaxz_6CJj596NhixQvDQ_lySJFZpzW64hf7GbEgzlRw_bYO_zBUqUPbLwMI33P_dyWLLjcLp7yWxZwHnY6u3ePrnrvk8kVGG997AClv_v3USeJzgIyyojq-reo/s400/archangelmichael2.jpg" alt="" id="BLOGGER_PHOTO_ID_5148428467768919458" border="0" /></a>Al mismo tiempo, el combate entre los ángeles es también el triunfo de la luz sobre la rebelión de las fuerzas de las tinieblas, lo que el pintor representa por medio de un claroscuro (tan típico en el barroco) cargado de simbolismo, en el que se oponen el cielo y el infierno, el incienso de los bienaventurados (que perfuma el culto eclesiástico) y el hedor de azufre de los condenados (recordando loa hornos del averno) y para que el ángel caballero despliegue sus amplias alas y luzca los grandes gestos de victoria de la Iglesia sobre los herejes.</p><p class="MsoNormal"><br /></p><p style="text-align: justify;" class="MsoNormal"><a onblur="try {parent.deselectBloggerImageGracefully();} catch(e) {}" href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgMway9IMTyNkY_c4nowAJFeuBh-eTizKzjTU4Pu1nYiVcRH3XGURwwrXiAqpkMhcODpgNKxmskTqAEILfAVoDqChb7w1YMO7XnTsSGame90_i-wzWjRCU6pmuvoepm5DmKNPfwWdn-m0oh/s1600-h/archangelmichael3.jpg"><img style="margin: 0pt 0pt 10px 10px; float: right; cursor: pointer;" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgMway9IMTyNkY_c4nowAJFeuBh-eTizKzjTU4Pu1nYiVcRH3XGURwwrXiAqpkMhcODpgNKxmskTqAEILfAVoDqChb7w1YMO7XnTsSGame90_i-wzWjRCU6pmuvoepm5DmKNPfwWdn-m0oh/s400/archangelmichael3.jpg" alt="" id="BLOGGER_PHOTO_ID_5148428540783363506" border="0" /></a>Giordano ha plasmado este espectáculo con un número relativamente reducido de figuras (pensemos por ejemplo en la<span style="font-style: italic;">aída de los ángeles rebeldes</span> de Rubens). Ante un fondo bañado de luz dorada, el arcángel se balancea, como si de un paso de ballet se tratase, sobre el fuerte pecho de Lucifer, hecho un ovillo con sus servidores. La imagen demoníaca presenta figuras humanas siguiendo con la tradición de rasgos propios de animales (orejas puntiagudas, cuernos, alas de murciélago). Si detallamos bien, notamos que sus rostros son más humanos y su anatomía esta demarcada al igual que sus cuerpos. Sus rostros son muy emotivos. Destacan las figuras de dibujo nítido que rompen el <i style="">sfumato</i> del fuego infernal.<br /></p>Lo que a primera vista parece tan dramático, no es realmente la descripción de una lucha, ya que San miguel no golpea con la espada a las turbas satánicas, sino que mantiene elevada la espada como un emblema, como si su sola aparición fuera la que precipita a Satanás y su cortejo de la condenación.<br /><br />Luca Giordano nació en Nápoles en 1634. Era hijo de un modesto pintor, pero trabajar con José Ribera marcará su vida, ya que gracias a este se convertirá en uno de los grandes artistas barrocos. Aunque la obra que aquí describimos se encuentra en el Kunsthistorisches Museum de Viena, existen mas de 20 lienzos suyos en El museo del Prado de Madrid y grandes frescos en el monasterio de San Lorenzo del Escorial.<o:p></o:p><div style="text-align: justify;"> </div><p class="MsoNormal" style="margin-bottom: 12pt; text-align: justify;"><o:p> </o:p></p><br /><p></p></div>Álvaro Sánchezhttp://www.blogger.com/profile/01964966623992339429noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-3732144510635180263.post-51520494103376703992007-12-14T02:09:00.001+01:002008-01-03T00:36:06.628+01:00Barca de Dante (Eugéne Delacroix, 1822)<a onblur="try {parent.deselectBloggerImageGracefully();} catch(e) {}" href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhsqU4cEbSojNNnL2bdUW4-2LSErZtRHBUsxxXu4wnNQ-jWgbzn0Sd7Pzsaef-WTyBVi-VjqtIkvh4LtfVxOGkHJNObO4NACwmb7u2iyY1EvwCF5HPZuyuJhNwOJ5zXQ055-7lIjKEwDkso/s1600-h/del1.jpg"><img style="margin: 0px auto 10px; display: block; text-align: center; cursor: pointer;" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhsqU4cEbSojNNnL2bdUW4-2LSErZtRHBUsxxXu4wnNQ-jWgbzn0Sd7Pzsaef-WTyBVi-VjqtIkvh4LtfVxOGkHJNObO4NACwmb7u2iyY1EvwCF5HPZuyuJhNwOJ5zXQ055-7lIjKEwDkso/s400/del1.jpg" alt="" id="BLOGGER_PHOTO_ID_5146472045741081986" border="0" /></a><div> </div><div> </div><div style="text-align: justify;">Eugène Delacroix, en 1816, entró a formar parte del taller de Guerin, un clasicista ilustrado, cuyas enseñanzas habían recibido muchos de los representantes del romanticismo (Gericault, los hermanos Scheffer, Gogniet y Champmartin). Delacroix extrajo mayor provecho de su ejercicio personal en el Louvre que de las lecciones de Guerin, donde copiaba sobre todo obras de Rubens y de Veronés. Su amigo Soulier y, más tarde, el pintor inglés Bonington, le dieron a conocer la técnica de la acuarela y el método inglés de la utilización del color.<o:p></o:p></div><div><div> </div> <div style="text-align: justify;"> </div><p style="text-align: justify;" class="MsoNormal">Este cuadro es un óleo sobre lienzo pintado en 1822. Pertenece al Romaticismo Francés, movimiento que rescata la pasión por la edad media, muerta desde el siglo XVI.</p><p style="text-align: justify;" class="MsoNormal"><a onblur="try {parent.deselectBloggerImageGracefully();} catch(e) {}" href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiib_v54oGOuA-6ObyuwmoZsNEaUhyphenhyphenImykvKRO39KkX4JJVB5CEuzU0_5hZ26qJB4RG_CsLdDrC9UqrzNNOM7NTvaqGF4k30T1mkZJYoZU1BOF5noa4DGFiaidTHWZdFIXu7XOeS7-_t5n7/s1600-h/comedia.jpg"><img style="margin: 0pt 10px 10px 0pt; float: left; cursor: pointer; width: 230px; height: 230px;" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiib_v54oGOuA-6ObyuwmoZsNEaUhyphenhyphenImykvKRO39KkX4JJVB5CEuzU0_5hZ26qJB4RG_CsLdDrC9UqrzNNOM7NTvaqGF4k30T1mkZJYoZU1BOF5noa4DGFiaidTHWZdFIXu7XOeS7-_t5n7/s320/comedia.jpg" alt="" id="BLOGGER_PHOTO_ID_5146468858875348290" border="0" /></a>La obra se basa en <i style="">La divina comedia</i> del poeta italiano medieval Dante, concretamente en el episodio en el que este último, acompañado de Virgilio, viaja al infierno y al purgatorio.<br />En la imagen, el poeta, con un manto blanco verdoso y capucha roja, permanece de pie sobre el extremo izquierdo del bote de camino al infierno. En el quinto nivel del Averno, donde penan los coléricos, Dante tiene que cruzar la laguna Estigia, un río subterráneo de aguas turbias, para llegar a la ciudad infernal de Dite que se encuentra en llamas en la mitad superior izquierda, al fondo del lienzo. Ver a compatriotas florentinos, revolcándose en el pozo sin fondo le provoca una profunda impresión y un fuerte sentimiento de empatía.<br /></p><p style="text-align: justify;" class="MsoNormal"><a onblur="try {parent.deselectBloggerImageGracefully();} catch(e) {}" href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhyuqz40lI_iB94BpBnIbWvflHpZEKW3qI6a3zAjPvvS9ygHrL5Dfhr9j_qZMPAFypLYyCBDxFyusIosDtMhpUehAU2pVx6pB_6LnTroI68WbPTYt_kQMG9TBFmS6NB4oddP17EkojKp5GH/s1600-h/figuras-escorzadas.jpg"><img style="margin: 0pt 0pt 10px 10px; float: right; cursor: pointer;" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhyuqz40lI_iB94BpBnIbWvflHpZEKW3qI6a3zAjPvvS9ygHrL5Dfhr9j_qZMPAFypLYyCBDxFyusIosDtMhpUehAU2pVx6pB_6LnTroI68WbPTYt_kQMG9TBFmS6NB4oddP17EkojKp5GH/s320/figuras-escorzadas.jpg" alt="" id="BLOGGER_PHOTO_ID_5146469314141881682" border="0" /></a>Precisamente, las figuras escorzadas de los condenados están iluminadas por un potente foco de que deja en penumbra a los literatos. En esos condenados existe cierta influencia de miguel Ángel y Rubens en sus robustas y escorzadas musculaturas. Como en busca de apoyo, Dante alarga el brazo izquierdo hacia la figura central, el antiguo poeta romano Virgilio, que le guía a través de su viaje en el infierno y purgatorio. Ataviado con una capa marrón y coronado con laurel, Virgilio desprende serenidad y compostura. La barca la conduce el barquero Caronte, con torso musculado y su capa azul ondeando en la tormenta luchando por salir adelante con la embarcación. Observamos los cuerpos retorcidos de los condenados irradian desesperación existencial y sufrimiento animal. como iluminados por un foco. Los contrastes entre luz y oscuridad juegan por encima de las figuras y dibujan sus contornos en acusado relieve.<br />Sin embargo, encontramos al mejor Delacroix en cuanto a la expresividad de los personajes, sobre todo la figura que se agarra a la barca con los dientes. Los gruesos paños ondeados al viento ponen la nota de color en una escena dominada por las tonalidades oscuras. El ambiente infernal ha sido perfectamente logrado a pesar de cierta teatralidad. El movimiento de las figuras desnudas nos muestra la desesperación humana en su límite, estado que atraía mucho a Delacroix.</p><p style="text-align: justify;" class="MsoNormal"><a onblur="try {parent.deselectBloggerImageGracefully();} catch(e) {}" href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEg7avzcsBsdnTlfcxAD6TuBym2xz9HmBcypuvI6xY5MjR4XpR7HD0lew7w_kztK9omeAETEDow0aXl2cTomNF2_rfgaSYOFyptqyQu8KOU6b6Hh-gF2jCIGW1XHdhhwiQhmRKoXgKAQktxd/s1600-h/Raft_of_the_Medusa_-_Theodore_Gericault.JPG"><img style="margin: 0pt 10px 10px 0pt; float: left; cursor: pointer; width: 333px; height: 226px;" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEg7avzcsBsdnTlfcxAD6TuBym2xz9HmBcypuvI6xY5MjR4XpR7HD0lew7w_kztK9omeAETEDow0aXl2cTomNF2_rfgaSYOFyptqyQu8KOU6b6Hh-gF2jCIGW1XHdhhwiQhmRKoXgKAQktxd/s320/Raft_of_the_Medusa_-_Theodore_Gericault.JPG" alt="" id="BLOGGER_PHOTO_ID_5146470271919588722" border="0" /></a>Los críticos la compararon con <i style="">La balsa de la Medusa</i> de Géricault (a la izquierda). La composición es más tradicional respecto a la de Géricault, ya que vuelve a esquemas clásicos y se cierra sobre sí misma como en paréntesis. Así la composición tiene un carácter clasicista, pero llena de romanticismo en el pathos. Aquí ya no hay restos de las enseñanzas de dibujo de Guérin, sino que vemos un riguroso estudio del color. También es de gran interés el estudio de las gotas de agua en al colisionar éstas con el casco de la barca.<br />Como anécdota indicaremos que Cézanne hacia 1870 pintó una réplica del lienzo de Delacroix.<br /><br />El cuadro fue presentado en el salón de Paris de 1822, lo hizo con la esperanza de que las poderosas figuras, su expresión de profundo tormento psicológico y la espléndida y suntuosa paleta de colores causaran una honda impresión en el público. Delacroix buscaba triunfar en los Salones oficiales para ver así conseguido cierto prestigio social y económico. De esta forma, también pretendía alejarse del academicismo imperante en aquellos momentos.<o:p></o:p></p> </div>Álvaro Sánchezhttp://www.blogger.com/profile/01964966623992339429noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-3732144510635180263.post-20271295057995105112007-11-25T14:45:00.001+01:002008-02-20T18:15:31.501+01:00Triunfo de la Muerte (Brueghel el Viejo, 1562)<div style="text-align: justify;"><div style="text-align: center;"><img src="http://img258.imageshack.us/img258/3893/bruegelbv8.jpg" /><br /><br /></div>Para esta espeluznante tabla Brueghel se inspiró en uno de los temas literarios de las medivales "Danzas de la Muerte", donde se reflejaba el poder igualatorio de la muerte frente a los distintos estamentos sociales. En los orígenes de estas Danzas, convergen diversas tradiciones (creencias, leyendas populares, fuentes devotas o doctas).<br /><br /><a onblur="try {parent.deselectBloggerImageGracefully();} catch(e) {}" href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjk3K0XqtKud7pKj_g3NXPVHYXUGPOfkkAOR7Cd1PTU6TZxjBQhhYPYrwZVUvnCXw155d1wkGcfsW9-xEZoUebj40yl0M3ltcEJSPsBgOtrZayYW1QKwst2xuNp-cHV9pg5-t772XUT_gq1/s1600-h/detalle-devastaci%C3%B3n.jpg"><img id="BLOGGER_PHOTO_ID_5136784434679175410" style="margin: 0pt 0pt 10px 10px; float: right; cursor: pointer;" alt="" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjk3K0XqtKud7pKj_g3NXPVHYXUGPOfkkAOR7Cd1PTU6TZxjBQhhYPYrwZVUvnCXw155d1wkGcfsW9-xEZoUebj40yl0M3ltcEJSPsBgOtrZayYW1QKwst2xuNp-cHV9pg5-t772XUT_gq1/s400/detalle-devastaci%C3%B3n.jpg" border="0" /></a>La pintura podría definirse como la visión de un gran paisaje de violencia, desolado, donde un ejército de la muerte devasta y arrolla a todo ser viviente. Brueghel organiza, de acuerdo a unas pautas concretas, el caos que forma esta avalancha de esqueletos. En la parte superior, la más amplia, enfatiza la destrucción de la naturaleza; es una superficie desértica causada por los incendios -influencia de la iconografía bosquiana- y ocupada por elementos de muerte o de tortura. La zona intermedia se llena de batallones de soldados de la muerte que arrasan a la muchedumbre: los cuerpos son agolpados, conducidos, apresados de diferentes maneras, machacados por la muerte.... En el primer plano, la escena parece individualizar la diversidad de jerarquías de la sociedad -el emperador, el cardenal, el peregrino, los jugadores o la pareja de amantes-, todos ellos víctimas del mismo vergudo: la Muerte. Ésta preside la escena cabalgando sobre un caballo famélico y con la guadaña en la mano; parece inspirada en el Apocalipsis:<br /><br /><a onblur="try {parent.deselectBloggerImageGracefully();} catch(e) {}" href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjhzOTT644iFSifISGaKl5jL1UPzxN35_yTuZLEPnzzckjPPcDvVgLfhQn-9qL5AOo4cy7eaU0_gkDuiIQhGiMRosJBlhzGbzdjoGbACuIUcFgkpgbfHNAlLcDletrlni6jV97_JHppG__S/s1600-h/detalle-muerte.jpg"><img id="BLOGGER_PHOTO_ID_5136784932895381762" style="margin: 0pt 10px 10px 0pt; float: left; cursor: pointer;" alt="" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjhzOTT644iFSifISGaKl5jL1UPzxN35_yTuZLEPnzzckjPPcDvVgLfhQn-9qL5AOo4cy7eaU0_gkDuiIQhGiMRosJBlhzGbzdjoGbACuIUcFgkpgbfHNAlLcDletrlni6jV97_JHppG__S/s400/detalle-muerte.jpg" border="0" /></a><span style="font-style: italic;">Miré y vi un caballo blanco, y el que cabalgaba sobre él tenía por nombre Montandad, y el infirerno le acompañaba...</span><br /><br />Ejércitos de esqueletos avanzan incontenibles desde el horizonte, arrasando todo a su paso. En un primer plano se libra la batalla final contra las huestes del mal, que usan tapas de ataúd a guisa de escudos. La masacre es apoteósica, los hombres son empujados en masa hacia un túnel que parece la puerta del infierno (derecha). El carro de los muertos recoge los cráneos (izquierda). Sucumben a la muerte nobles y plebeyos sin distinción. En el primer plano (de izquierda a derecha) el rey agoniza mientras la muerte roba sus riquezas. Obispos y monjas caen, y de nada sirve a los nobles caballeros enfrentarse a ella espada en mano. A la derecha el avispado bufón se oculta bajo una mesa. Como único signo de esperanza, el juglar y una dama dedican sus últimas horas al cortejo amoroso, ajenos a tanta destrucción (extremo derecho).<a onblur="try {parent.deselectBloggerImageGracefully();} catch(e) {}" href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjYPDK8lDZ-hfuhSI_bSNXBcJ05HFuQoLrhwfjhm1IAupax_kRSn89E6owmaOcIQaLQNq0rHaMdmGpNxV6g9dfmhVRsz6Uf7VbjPseDuM1kAujM_19JQzAYwGbWMRgagFNNxGEK5jTbZysE/s1600-h/detalle-lujuria.jpg"><img id="BLOGGER_PHOTO_ID_5136786088241584418" style="margin: 0pt 0pt 10px 10px; float: right; cursor: pointer;" alt="" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjYPDK8lDZ-hfuhSI_bSNXBcJ05HFuQoLrhwfjhm1IAupax_kRSn89E6owmaOcIQaLQNq0rHaMdmGpNxV6g9dfmhVRsz6Uf7VbjPseDuM1kAujM_19JQzAYwGbWMRgagFNNxGEK5jTbZysE/s400/detalle-lujuria.jpg" border="0" /></a> <div style="text-align: center;"><a onblur="try {parent.deselectBloggerImageGracefully();} catch(e) {}" href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhUrHsihBk_1LonB_S2q-0zAtHlNVXRIIYmDEW64-SO4cb0CCsRFRfnVwb5_AOvpQFAOvlFbU9Q756wdk7NlFKzuJzYNZ7QQt5lykHf9DTDGL3NbcY-9-1LwsSyRkyZBdDaZdUys7_AFvnW/s1600-h/detalle-rey.jpg"><img id="BLOGGER_PHOTO_ID_5136785813363677458" style="margin: 0pt 10px 10px 0pt; float: left; width: 314px; cursor: pointer; height: 241px;" alt="" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhUrHsihBk_1LonB_S2q-0zAtHlNVXRIIYmDEW64-SO4cb0CCsRFRfnVwb5_AOvpQFAOvlFbU9Q756wdk7NlFKzuJzYNZ7QQt5lykHf9DTDGL3NbcY-9-1LwsSyRkyZBdDaZdUys7_AFvnW/s400/detalle-rey.jpg" border="0" /></a><br /></div><br /><br /><br /><br /><br /><br /><br /><br /><br /><br /><br /><br /><br /><br /><br />Este espectáculo apocalíptico lleva un mensaje claro: la muerte no perdona, extermina a todos los seres vivos; y Brueghel lo transmite a través del lenguaje pictórico.<br /><br />En esta obra, se han querido ver influencias de unos grabados sobre la Danza de la Muerte de Hans Holbein el joven, serie de imágenes que se reimprimieron varias veces en vida de Brueghel. Actualmente los historiadores encuentran conexiones de influencia de la tabla de Brueghel en algunas obras de José Gutierrez Solana para el que constituyó un impacto importante.<br /><a onblur="try {parent.deselectBloggerImageGracefully();} catch(e) {}" href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEg2VB4wFvOUcFbcojRrVx-kCLdf7wz7N1av4JEsQ5FKw0Erjh_Cjv5F4Rqq3v66nM8i2SJ3fieNiHU6KhqlHeE06HLlOFI2GgDYFhB9UhfypgN5T3wmT0OxwEF7CdPVACvGTO5EuuX4AJfL/s1600-h/detalle-hordas.jpg"><img id="BLOGGER_PHOTO_ID_5136786917170272562" style="margin: 0px auto 10px; display: block; cursor: pointer; text-align: center;" alt="" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEg2VB4wFvOUcFbcojRrVx-kCLdf7wz7N1av4JEsQ5FKw0Erjh_Cjv5F4Rqq3v66nM8i2SJ3fieNiHU6KhqlHeE06HLlOFI2GgDYFhB9UhfypgN5T3wmT0OxwEF7CdPVACvGTO5EuuX4AJfL/s400/detalle-hordas.jpg" border="0" /></a><br /></div><div style="text-align: justify;"> </div><div style="text-align: justify; font-weight: bold;">Bibliografía:</div><div style="text-align: justify;"> </div><ul><li><div style="text-align: justify;"><span style="font-size:100%;">ARGAN, G.C. <em>Renacimiento y barroco</em> <span style="font-style: italic;">I: de Giotto a Leonardo da Vinci.</span> Madrid, 1987 </span></div></li><li><div style="text-align: justify;"><span style="font-size:100%;">INFANTES, V. <em>Las Danzas de la Muerte: génesis y desarrollo de un género medieval</em> <span style="font-style: italic;">(siglos XIII-XVII)</span>. Salamanca, Ediciones Universidad Salamanca, 1997.</span></div></li><li><div style="text-align: justify;"><span style="font-size:100%;"><em>La obra pictórica de Brueghel</em>. Barcelona, Planeta, 1988</span></div></li></ul>Álvaro Sánchezhttp://www.blogger.com/profile/01964966623992339429noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-3732144510635180263.post-61676294475122375632007-06-17T12:09:00.001+02:002008-02-20T18:13:13.380+01:00La Torre de Babel (Brughel el Viejo, 1563)<div style="text-align: justify;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEj9KPqUapkxkZpf0x6SN0UXaH8qaRecbiEZ_Qp-klDrZyI-MO-5aSY9qglOvIICSMMDAYDEDpI4Py_uc8WwON1NjDc7GUu5PtovslYF8vrAazKrHS_GoUuQXLcmcBVrCiGXuqgrctfDsh58/s1600-h/795px-Brueghel-tower-of-babel.jpg"><img id="BLOGGER_PHOTO_ID_5077722563293639090" style="margin: 0px 0px 10px 10px; float: right;" alt="" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEj9KPqUapkxkZpf0x6SN0UXaH8qaRecbiEZ_Qp-klDrZyI-MO-5aSY9qglOvIICSMMDAYDEDpI4Py_uc8WwON1NjDc7GUu5PtovslYF8vrAazKrHS_GoUuQXLcmcBVrCiGXuqgrctfDsh58/s400/795px-Brueghel-tower-of-babel.jpg" border="0" /></a>Brueghel el Viejo, (1525 - 1569) es uno de los más grandes pintores Flamencos del siglo XVI. Algunos registros indican que nació en Broghel, cerca de Breda, pero no ha sido posible determinar si se trata de la ciudad neerlandesa de Breda, desde 1559 eliminó la 'h' de su apellido y comenzó a firmar sus pinturas como Bruegel.<br /></div>Tubo dos hijos, Brughel el joven y Jan Brughel el viejo. Ambos se convirtieron en pintores, pero ninguno de ellos fue discípulo de su padre, ya que este falleció cuando ambos era aún niños. Bruegel se especializó en paisajes poblados de campesinos, en un estilo más sencillo que el del arte italiano que prevalecía en ese tiempo. La influencia más notable en su arte es la del antiguo maestro holandés Hieronymus Bosch.<br /><div style="text-align: justify;">Se le suele acreditar haber sido el primer artista occidental en pintar paisajes por sí mismos, en lugar de como telón de fondo de alegorías religiosas. Sus paisajes del invierno de 1565 corroboran la dureza de los inviernos durante la helada en ese año.Se le suele conparar con el Bosco por su espectacular fantasía a la hora de pintar, vease el cuadro : El triunfo de la muerte, pintado en 1562, que pende en una de las salas del museo del Prado.</div><br /><div style="text-align: justify;">Uno de sus temas más famoso es la torre de Babel, del que pintó tres cuadros, si bien se conservan dos: "La construcción de la torre de Babel" (1563, Kunsthistorische Museum de Viena) y "La Pequeña construcción de la torre de Babel" (Rotterdam). Puede que el interés del pintor por la torre de Babel procediera del carácter cosmopolita de su ciudad de Amberes.</div><br /><div style="text-align: justify;">Precisamente, el cuadro que analizo hoy es la Torre de Babel, pintado en 1562.</div><br /><div style="text-align: justify;">La Torre de Babel es una construcción de tipo Zigurat que se menciona en la Biblia.Segun el libro del génesis, los hombres pretendían alcanzar el cielo, para ello contruyeron una torre muy alta que llegase al cielo. para evitar el éxito de la empresa (que se oponía a su propósito de que la humanidad se extendiera por toda la superfiecie de la Tierra, se multiplicara en ella y la sojuzgara), hizo que los constructores comenzasen a hablar diferentes lenguas, luego de lo cual reinó la confusión y se dispersaron. paso a poneros el texto biblico:</div><br /><div style="text-align: justify;"><a onblur="try {parent.deselectBloggerImageGracefully();} catch(e) {}" href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEivyVHhlqo1_I0HWv2oZLkTlraTWpo0QLQBlWymX-mhOszC_g59f3NzAay5MAAfi0GXEGZ_QcnhtuXvq-IlWelelxQ9VzNkMsufoXq4fYQEC8I7cTfEwr7tSyjIMq6O8gNI4mCuXXDZxvnu/s1600-h/detalle-1.jpg"><img id="BLOGGER_PHOTO_ID_5136789743258753346" style="margin: 0pt 10px 10px 0pt; float: left; cursor: pointer;" alt="" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEivyVHhlqo1_I0HWv2oZLkTlraTWpo0QLQBlWymX-mhOszC_g59f3NzAay5MAAfi0GXEGZ_QcnhtuXvq-IlWelelxQ9VzNkMsufoXq4fYQEC8I7cTfEwr7tSyjIMq6O8gNI4mCuXXDZxvnu/s400/detalle-1.jpg" border="0" /></a><em>Toda la Tierra tenía una misma lengua y usaba las mismas palabras. Los hombres en su emigración hacia oriente hallaron una llanura en la región de Senaar se establecieron allí. Y se dijeron unos a otros: «Ea, hagamos ladrillos y cozámoslos al fuego». Se sirvieron de los ladrillos en lugar de piedras y de betún en lugar de argamasa. Luego dijeron: «Ea, edifiquemos una ciudad y una torre cuya cúspide llegue hasta el cielo. Hagámonos así famosos y no estemos más dispersos sobre la faz de la Tierra»</em><br /></div><div style="text-align: justify;"><em>Mas Yaveh descendió para ver la ciudad y la torre que los hombres estaban levantando y dijo: «He aquí que todos forman un solo pueblo y todos hablan una misma lengua, siendo este el principio de sus empresas. Nada les impedirá que lleven a cabo todo lo que se propongan. Pues bien, descendamos y allí mismo confundamos su lenguaje de modo que no se entiendan los unos con los otros». Así, Yahveh los dispersó de allí sobre toda la faz de la Tierra y cesaron en la construcción de la ciudad. Por ello se la llamó Babel, porque allí confundió Yahveh la lengua de todos los habitantes de la Tierra y los dispersó por toda la superficie. (Génesis XI, 1-9)<br /></em></div><br /><div style="font-family: verdana; text-align: justify;"><em>Visto el texto biblico, analicemos su simbología:</em></div><br /><div style="text-align: justify;">La explicación bíblica del porqué de los diferentes idiomas ha tenido tres representaciones principales en el arte: la construcción de la torre, la destrucción de la torre y la confusión de las lenguas, seguida de la dispersión. Los dos primeros han sido mucho más representados.<br />La torre se representó en diferentes épocas al modo de las torres que en la época y el lugar se usaban, pero con rampas exteriores helicoidales a partir de finales del XVI. El tema de la destrucción no se basa en el Génesis, donde sólo se insinúa, sino en el Apocalypsis que lo trata en su capítulo 18. La escena se ha representado con grandes vientos o con rayos salidos del cielo. La confusión de lenguas se ha usado en conjunción con los anteriores, pero también asociado al milagro de las lenguas que se ponen a hablar los apóstoles en Pentecostés.<br /><br /></div><div style="text-align: justify;"></div><div style="text-align: justify; font-weight: bold;">Bibliografía:</div><div style="text-align: justify;"></div><ul><li><div style="text-align: justify;"><span style="font-size:100%;">ARGAN, G.C.: <span style="font-style: italic;">Renacimiento y barroco I: De Giotto a Leonardo da Vinci</span>. Madrid, 1987 .</span></div></li><li><div style="text-align: justify;"><span style="font-size:100%;"><span style="font-style: italic;">La obra pictórica de Brueghel</span>. Barcelona, Planeta, 1988.<br /></span><br /></div></li></ul>Álvaro Sánchezhttp://www.blogger.com/profile/01964966623992339429noreply@blogger.com1